Som À Letra

Fim da primeira etapa do Som à Letra- Nova casa

2011-01-01T17:58:00.000-08:00

A partir de 3 Janeiro de 2011 o Som à Letra vai trabalhar (também em regime provisório) em cibersomaletra.blogspot.com.

Obrigada a todos e como sempre , aguardamos a vossa visita.

Fim da primeira etapa do Som à Letra

2010-12-31T07:13:00.000-08:00

31 de Dezembro de 2010

Em Dezembro de 2009 o Som à Letra já tinha nascido , mas contava apenas com quatro meses de vida, com facebook em stand by e público escasso. Não havia ainda equipa e muito menos certezas. Só havia (e continua a existir em eterna quantidade) muita vontade de trabalhar.

E foi essa enorme vontade de trabalhar que deu origem ao ciclo que hoje termina. Mas nada não teria sido feito sem os nossos leitores. O ponto de partida para a comunicação e crescimento foi o facebook , o blogspot (a casa provisória) e claro , os nossos conteúdos : o ciberjornal.

Ao longo do ano a estrutura do ciberjornal foi sendo definida em conjunto com o nosso público. Começamos com o Retro Star (agora Luso Vintage) às segundas feiras , o Momento Super Pop (agora Modo Pop) às terças , e assim sucessivamente. Uma rubrica para cada dia da semana.

Ao longo do ano apercebi-me que decididamente não tinha jeito para dar nomes a categorias (mesmo!) . E a quem pedi ajuda? A vocês, claro. Juntos definimos o Som à letra, um media digital já formado e prestes a transformar-se em site cultural de referência , sempre numa lógica lúdica, informativa e didáctica ,e com o leitor em primeiro lugar. O balanço é óptimo um ano depois. O salto no desconhecido valeu muito a pena.

Comecei com 100 leitores e terminei em equipa com cerca de 7000. Vamos para 2011 em regime de mudanças: segunda casa provisória (mais organizada e bonita, va), livro de estilo , e categorias completamente definidas, para além da edição em PDF e programa radiofónico.

Desejos? O (bendito!) site, um público cada vez mais fiel e melhoria progressiva do nosso trabalho e claro, muito Som à Letra.

E se no ano passado fechavamos 2009 com os "Racing rats" , 2010 termina com a "Cat People":

E a viagem sonora continua em 2011.

Muito obrigada por tudo.A vitória é nossa (equipa do Som e do nosso público).

Feliz Ano Novo!!

Irene Leite

Espaço "The Indies"

2010-12-31T05:43:00.000-08:00

O vinil e a descoberta da música

Não é a primeira vez que falo sobre os discos de vinil, já que a primeira crónica que escrevi enquanto colaborador do “Som à Letra” foi precisamente sobre este tema: “A segunda vida do vinil”. Desta feita a abordagem é diferente na medida em que vou relembrar o tempo em que comecei ouvir e a gostar de música, quando o vinil ainda era um formato popular, daí o tema desta crónica: “O vinil e a descoberta da música”.

Por Bruno Vieira

O vinil ocupa de facto um cantinho no meu coração, fazendo parte das boas recordações de criança. Recordo-o com especial carinho, não tanto na fase infantil (quem não se lembra da Ana Faria e os queijinhos frescos?), mas um pouco mais tarde quando comecei a gostar da mesma música dos adultos: Tina Turner, Phil Collins, Madonna ou Wham!.

A idade infantil começava a ficar para trás e de repente, parecia que tinha entrado na idade adulta, sem o ser, só pelo facto de estar a ouvir outro tipo de música. Lembro-me que pedir aos pais para me comprarem um disco era uma aventura. A persistência era a principal arma que tinha ao meu dispor, obrigando-os a passarem inúmeras vezes pela loja de música do centro comercial só para lhes mostrar qual era o próximo disco que eu queria.

Depois era só esperar, a altura do ano e o orçamento familiar ditavam as regras, juntando a boa disposição do momento e lá vinha o tão desejado vinil. Não se tratando de um bem de primeira necessidade não era coisa que entrasse em casa todas as semanas, mas quando mo ofereciam era, de facto, um momento especial, sendo o mesmo posto a tocar até à exaustão.

Tal como hoje, as colectâneas que reúnem os melhores êxitos já eram uma realidade e também uma opção económica para quem queria ter mais música pelo mesmo dinheiro. Pedir um álbum original que na altura custava cerca de 1.000$00, o mais certo era receber um single de 250$00, e já podia dar-me por muito satisfeito.

Daí que, em meados dos Anos 80, as colectâneas eram de facto a melhor escolha. O Verão, mas sobretudo o Natal eram as épocas fortes e cada editora tinha a sua. Ao longo desta década houve uma série de colectâneas que se mantiveram no mercado com bastante regularidade como o Jackpot, o Polystar, o Superdisco, o Hit Parade e o Top Genius, assim como outras mais efémeras. Esperar na altura pelos comerciais a anunciar na TV as colectâneas de Natal é o equivalente aos dias de hoje a aguardar pelas confirmações dos nomes para os festivais de Verão.

Provavelmente a primeira que tive foi o Jackpot 84, que na capa tinha uma imagem de um microcomputador e de uma televisão a fazer de monitor. Com 2 discos pelo preço de 1, música não faltava e dos 28 Super Tops anunciados constavam nomes como Queen, Trovante, Limahl, John Waite, Duran Duran ou Joe Cocker.

Quanto aos álbuns originais, remetidos para a categoria de prendas menos comuns, ficavam para ocasiões do tipo aniversários ou quando se tirava uma boa nota na escola. Recordo-me bem de alguns dos primeiros álbuns que tive, como “Born In The USA” de Bruce Springsteen, “Revenge” dos Eurythmics ou “Circo de Feras” dos Xutos & Pontapés. Ainda hoje fazem parte da minha colecção de vinil, pese embora o facto de já não tocarem há uma boa vintena de anos.

Receber um disco de vinil era, como já referi, um momento especial. A vontade de chegar a casa para o pôr a tocar vezes sem conta, ajustar as rotações certas, sob pena do som sair distorcido e tentar acertar a agulha do gira-discos no bordo do disco sem a estragar ou mesmo limpar os discos com um paninho, eram rituais que se perderam com a introdução do CD, muito mais funcional.

A própria dimensão das capas dos discos de vinil conferia-lhes “sex appeal” que o CD jamais igualaria. Se bem que a geração actual começa a ter alguma consciência do que é o vinil e a sentir curiosidade devido ao regresso deste a algumas lojas de música, o que é certo é que durante o período em que praticamente desapareceu das lojas, principalmente na segunda metade da década de 90, cheguei a ouvir “malta nova” dizer coisas do género: “esta cena toca?”, julgando tratar-se de um objecto de decoração devido ao seu maior tamanho em relação ao CD.

Apesar do surgimento deste, a década de 80 seria ainda dominada pelo disco de vinil, embora as vendas evidenciassem já uma desaceleração. À medida que os Anos 80 se aproximavam do fim o CD começava a ganhar cada vez mais protagonismo, que viria a consolidar-se definitivamente na década de 90.

No início desta ainda era relativamente fácil encontrar vinil nas prateleiras das lojas, mas num ápice o grande disco preto (digo preto porque também existiam noutras cores) parecia que tinha desaparecido definitivamente. Foi nessa altura que fiz a transição para o CD sem grande dor, ao aceitar com bastante naturalidade o fim de um ciclo e o início de outro. Por muitas saudades que tivesse do vinil, o facto de serem cada vez mais difíceis de encontrar, empurrava-me inevitavelmente para o CD.

Para além disso o CD era “trendy”, prático de pôr a tocar, muito mais portátil e ainda tinha a fama de possuir melhor som e de ser virtualmente indestrutível, mitos (sobretudo os dois últimos) que ao longo do tempo se foram desvanecendo.

Passados quase vinte anos e voltar a ver de novo o vinil nas prateleiras das lojas é, por momentos, regressar ao passado, ao tempo em que a música começou a fazer parte da minha vida.

Top 100-Playlist Som à Letra -parte IV

2010-12-30T07:59:00.000-08:00

Vanguardismo: Artista em destaque

The Legendary Tigerman

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76-kings of Leon-Use somebody
77- Swans-Love will tear us apart

78- James-She´s a star
79-Skunk Anansie-Secretly
80-Prince-Purple Rain
81-James Brown-Papa´s got a brand new bag
82- Pink Floyd-Money
83-Massive Attack-Teardrop
84-Gotan Project-Una musica brutal
85-Pearl Jam-Just breathe
86- MGMT-kids
87-Urge Overkill-Girl you´ll be a woman soon
88-Rodrigo Leão-Vida tão estranha
89-Air-Venus
90-Manic Street Preachers- Motorcycle emptiness
91- LCD Soundystem-Drunk girls
92-INXS-Mistify
93-Tindersticks-My oblivion
94-PJ Harvey-Good fortune
95-Kings of Convenience-I´d rather dance with you

96-Magnetic Fields-all my little words
97-Nancy Sinatra-Let me kiss you
98-PIL-Rise

99-Garbage-Milk
100-Psychedelic Furs-The Ghost in you

Top 100-Playlist Som à Letra -parte III

2010-12-30T07:02:00.000-08:00

Vanguardismo:Grupo em destaque

MGMTLink da imagem

51-Queens of The Stone Age-no One Knows
52-Pixies-Here Comes Your Man
53-The Who-Baba O´riley
54-Stooges- I want be your dog
55-Radiohead-Karma Police
56-The The-Uncertain Smile
57-Tom Petty and The Heartbreakers-Refugee
58-Morissey-Irish Blood, English Heart
59- Lloyd Cole & the Commotions - Charlotte Street
60-Kraftwerk-Model
61- The Horrors-Mirror´s image

62-Kaiser Chiefs-Ruby
63-The Killers-Spaceman
64-Janis Joplin-Piece of My Heart
65-Patti Smith-Because the Night
66-Bruce Springsteen-Fire
67-She Wants Revenge -Tear you apart

68-GNR-Efectivamente
69-Heróis do Mar-Só gosto de ti
70-Robert Plant-Little by little
71- The Mothers of Invention-Som of Suzy Creamcheese

72-The Cars-My best friends girl
73- António Variações-Canção do engate
74-Blondie-Sunday girl
75-Love and Rockets-So alive

TOP 15- Nacional ( A selecção do Som à letra)

2010-12-29T18:37:00.000-08:00

Os Golpes
Link da Imagem

1-Legendary Tigerman-These boots are made for walking
2-Os Golpes-Vá lá Senhora (com Rui Pregal da Cunha)

3-Deolinda-Um contra o Outro

4-Linda Martini-Casa Ocupada
5-Camané-A guerra das Rosas

6- Mão Morta-Novelos da Paixão
7-Pop Dell Arte-Ritual Transdisco

8-Orelha Negra-Blessed

9-Blind Zero-Snow girl
10-Rita Redshoes-Captain of my soul
11-Noiserv- Mr Carousel

12-Virgem Suta-Linhas Cruzadas

12-B Fachada -Há festa na moradia

14-Diabo na Cruz-Dona Ligeirinha

15-Paulo Praça-Um amor alheio

20 Temas internacionais marcantes de 2010 ( A selecção do Som À Letra)

2010-12-29T07:42:00.000-08:00

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1-Arcade Fire-The Suburbs

2-Interpol-Lights
3-Vampire Weekend-Horchata
4-Black Keys-Tighten up

5-These New Puritans-War
6-Grinderman-Palaces of Montezuma
7-Antony and the Johnsons-Thank you for your love
8-Massive Attack-Paradise Circus
9-Karen Elson-The ghost who walks

10-Cut Copy-Where I´m Going
11-Gorilaz-On a Melancholy hill
12-Cystal Castles-Celestica
13-Hot Chip-One life stand 14-Crystal Castles feat Robert Smith-Not in love
15-Hurts-Wonderful Life

16- Best Coast-Boyfriend
17-Hot Chip-One life stand
18-Belle and Sebastian-write about love
19-Janelle Monáe-Tightrope (feat Big Boi)
20-Caribou-Odessa

Som ao Vivo

2010-12-29T05:55:00.001-08:00

30 Seconds to Mars no Pavilhão Atlântico

16 de Dezembro

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As bancadas estariam certamente esgotadas, ou pelo menos perto disso. A plateia estava composta, na sua maioria por um público bem jovem que não teme receber de braços abertos os 30 Seconds to Mars. Já o tinham feito, esgotando o Coliseu, assim como o Pavilhão Atlântico, em dois concertos que certamente perduram na memória dos fãs de Jared Leto.

Texto de Tiago Queirós

Números à parte, a noite começou com os portugueses More Than a Thousand, que aos poucos se conseguem afirmar. O aquecimento serviu para marcar o ponto, não por culpa da banda, mas sim pelo público que ansiava pelos norte-americanos que voltavam com o pretexto de apresentar os seus êxitos mais recentes.

A ideia que fica no ar ao final do espectáculo é que se trata de mais uma banda montada e formatada para um sucesso a curto prazo , onde o único destaque irá para o baterista (Shannon Leto, irmão de Jared) que fez barulho suficiente para garantir que não estávamos num concerto pop , mas sim de rock. Arriscou a pressão do instrumental «L490» desculpando a ausência de solos. Nada de muito técnico, pelo contrário, mas que disfarçou pela simplicidade.

Quando se vê no frontman um ídolo, à partida , só a sua presença faz ganhar a noite. Foi isso mesmo que se verificou e que demonstrou uma certo conforto e , arrisco-me a dizer , conformismo por parte de Jared, que fez uso do saudosismo, merecido mas exagerado ,frente ao seu público. Para trás ficaram as notas prolongadas e metade de grande parte dos temas, aos quais deixou a multidão funcionar em coro. Algo sempre bonito de se ver ,mas em quantidades um pouco mais reduzidas – ninguém pagou para ver a rapariga do lado desafinar!

Entre as várias referências ao nosso país, Jared compõe a bandeira nacional aos ombros, num movimento que já vem sendo praxe em todo o tipo de concertos. Desde Green Day que não se via um performer tão competente. Conseguiu o extremo de meter a multidão a tentar tocar no tecto a ficar sentada no chão (prestes a saltar mais uma vez), num momento que certamente envergonhará os fãs de Slipknot que criaram aquilo a que chamam de «mito». Mas ao contrário dos outrora punks, o vocalista peca pela falta de competência como músico, passeando a guitarra mais para a fotografia do que propriamente pela necessidade da mesma.

A pergunta será: foi um mau concerto? Certamente que a maioria presente no Pavilhão dirá o contrário com o desfile de êxitos radiofónicos e que marcam o air-play da MTV há tempo suficiente para garantirem que todos estejam familiarizados com os temas. Não foi de facto, e muito se deve ao público participativo e radiante que horas antes já se mostrava visível pelos lados do C.C. Vasco da Gama .

A veia de actor veio também ao de cima, convidando o público a participar no momento que certamente deixará eterno, pelo mundo do youtube, a sua segunda passagem pelo recinto lisboeta. Na memória ficará o espetáculo de bolas vermelhas ,lançadas de forma surpreendente sobre o público, mas igualmente ficarão momentos como a madrugadora «Beautiful Lie», a recente «Closer to the Edge» assim como a versão acustica de «From Yesterday».

Pelo meio, a banda demonstrou que This is War é um álbum que não foge ao registo que tanto encanta os fãs, e que comprova que a sua formula não está gasta. Num momento de descontração cantarolou-se «Bad Romance» da mais recente diva da Pop, Lady Gaga, que curiosamente passou pelo mesmo recinto dias antes.

The Kill» registou o último grande coro antes de encore. A letra, tal como se verificou ao longo da performance, estava bem memorizada de inicio ao fim, e não falo de crianças. Falo de pais que certamente aderiram, possivelmente, às sugestões dos mais novos. Na multidão podia-se encontrar caras conhecidas e bastante entusiastas que outros fossem os tempos, estariam a apresentar o jornal da noite no dia seguinte. Sim, o concerto foi a uma quinta-feira.

«Hurricane» marca a despedida da banda que se despediu do velho continente preparando-se já para uma passagem de ano de arromba em Las Vegas. Não podiam arrancar sem fazerem a vontade aos tais 18 mil que lá passaram: «Kings and Queens» é sem dúvida alguma um sucesso estrondoso e o impacto que este demonstrou diz tudo.. Um espetáculo cheio de distrações suficientes para dizimar muitas das possíveis críticas, deixando um resultado geral positivo.

Top 100-Playlist Som à Letra- Parte II

2010-12-28T10:37:00.000-08:00

Vintage: Banda em destaque na playlist do Som à letra em 2010

Joy Division

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26-Peter Murphy-.Cuts you up

27-Iggy Pop-Passenger
28-The Doors-Crystalship
29-Rolling Stones-Sympathy for the devil
30-Billy Idol-Eyes without a face
31-The Cure-Pictures of you
32- Nirvana-Smells like teen Spirit
33-Editors-Smokers Outside The Hospital Doors
34-Blur-The Universal
35-Killers-Shadowplay
36-Dire Straits-Sultans of Swing
37-Eric Clapton-Cocaine
38-Frank Zappa-Bobby Brown
39-Cowboy Junkies-Sweet Jane
40-The Who-Baba O Riley
41-Waterboys-Fisherman´s Blues
42-U2-Party girl
43-Smashing Pumpkins-TonIght Tonight

44-Beck-Loser
45-Interpol-Evil
46-Arcade Fire-Wake up
47-Leonard Cohen-I´m your man
48-Nancy Sinatra-Bang Bang
49-Ray Charles-Hit the road Jack
50-Legendary Tigerman-These boots are made for walking

TOP 100 Playlist Som à Letra -Parte I

2010-12-28T04:25:00.000-08:00

Vintage: Músico em destaque na playlist do Som à Letra em 2010

David Bowie

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1-The Smiths-There is a light that never goes out

2-David Bowie-Ziggy Stardust
3-Bauhaus-She´s in parties
4-Sisters of Mercy-Lucretia
5-Ramones-Baby I love you
6-The Cult-She sells sanctuary
7-Led Zeppelin-When the levee breaks
8-Joy Division-Love will tear us apart
9-Placebo-Special Needs

10-Faith No More-Epic
11-Sex Pistols- God Save the Queen
12-The Clash-Rock The Casbah
13-Franz Ferdinand-Do you want to
14-Pulp-Common People
15-Kasabian-Where did all the love go
16-Muse-Feeling good
17-Nouvelle Vague-Dance with me
18-Echo &The Bunnymen-Lips like sugar
19-Nick Cave-Bring it on

20-Lou Reed-Vicious
21-Velvet Underground-Venus in Furus
22-Roxy Music-More than this
23-Siouxsie and The Banshees-Happy House
24-Depeche Mode-Strangelove
25-New Order- True Faith

Jorge Palma no Luso Vintage –Parte II

2010-12-27T05:15:00.000-08:00

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A década de 80 viria a ficar marcada pelo génio criativo de Jorge Palma, tendo editado cinco álbuns, cujos temas marcaram a música nacional desta década, tendo, alguns deles, tornado-se ícones intemporais do panorama musical.

Texto de Carmen Gonçalves

“Acto Contínuo” foi lançado em 1982 e dois anos mais tarde surgiu nas lojas da especialidade o quinto registo de originais, “Asas e Penas”, que contém o tema “Estrela do Mar”. Em 1985, editou “O Lado Errado da Noite”, do qual foi extraído o hit-single “Deixa-me Rir”.

Com a edição do álbum, Jorge Palma iniciou uma digressão nacional, tendo pelo meio gravado mais um disco, um ano mais tarde, “Quarto Minguante”. Entre estudos de piano, conflitos com a sua editora e a consagração entre o público, Jorge Palma grava em 1989 o seu oitavo registo de originais, “Bairro do Amor”.

Com a consolidação da sua carreira, a década seguinte seria para dar azo a novos projectos musicais, não sem antes ter sido editado “Só”, um registo intimista, onde revisita ao piano os seus temas de maior sucesso.

Em 1993 surge o projecto musical “Palma’s Gang”, em que juntamente com Zé Pedro e Kalú dos Xutos e Pontapés, e Flak e Alex dos Rádio Macau, revisita pela segunda vez os temas da sua carreira, desta feita com uma roupagem mais rock.

Em 1996 Jorge Palma integrou os “Rio Grande”, que resultou num grande sucesso musical, tanto na edição do álbum, como nos inúmeros concertos a nível nacional. Nesse mesmo ano, editou um álbum em jeito de best-of, a compilação “Deixa-me Rir”.

Os próximos anos ficariam marcados por concertos de norte a sul, bem como a contribuição em alguns projectos, como o caso do álbum tributo aos 20 anos de carreira dos Xutos e Pontapés, “XX Anos XX Bandas”, tendo re-interpretado o tema “Nesta Cidade”.

Em 2000, foi editada mais uma colectânea de visita à carreira de Jorge Palma, “Dá-me Lume”, que teve um êxito comercial estrondoso, e no ano seguinte, surgiu o álbum “Norte”, com um espaço de mais de dez anos entre o anterior. A aceitação pelo público foi enorme, tendo sido nomeado para alguns prémios nacionais.

Esta década continuou a ser marcada por participações em diversos projectos musicais e colaborações com vários músicos e artistas, e só em 2007 surgiu um novo registo de originais “Voo Nocturno”, o décimo álbum da sua carreira, que teve um enorme sucesso, em muito devido ao tema “Encosta-te a Mim”.

Sem dúvida é um dos artistas nacionais que marcam a actualidade. Mais do que músico, é um poeta, que inventa e reinventa novas formas de contar histórias envoltas em melodias admiráveis, ao longo de mais de trinta anos e “enquanto houver estrada para andar”.

Jorge Palma no Luso Vintage –Parte I

2010-12-27T05:02:00.000-08:00

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Autor, compositor, cantor, letrista. Os predicados são muitos e assentam na perfeição quando se fala de Jorge Palma. Com uma carreira imensa de sucessos, é um dos mais conhecidos músicos a nível nacional. As letras das suas músicas são verdadeiros poemas, e a composição musical é puro encantamento. Hoje no Luso Vintage.

Texto de Carmen Gonçalves

Desde pequeno que a música está presente na sua vida, tendo aprendido piano e guitarra ainda em criança, e por conseguinte, pertenceu a bandas rock nos seus tempos de juventude.

Em 1969 integrou os Sindikato, uma banda rock que viria a participar na primeira edição do mítico Festival de Vilar de Mouros, em 1971. Influenciado pelos outros membros desta banda, iniciou-se ao nível da composição e escrita musical, surgindo assim as suas primeiras canções. Gravou ainda um álbum de versões com a banda, mas o trabalho criativo musical, fê-lo lançar um single a solo “The Nine Billion Names Of God”, em 1972, o único registo musical editado em Inglês.

Um ano mais tarde editou o seu primeiro single em português, fruto de uma aprendizagem da escrita na língua de Camões com José Ary dos Santos, e em 1975 lançou o seu primeiro Longa Duração, “Com Uma Viagem na Palma da Mão”, dando assim, o início a uma carreira promissora.

Em 1977 surgiu o seu segundo álbum, “Té Já”, resultante de um período de intenso trabalho, e viajou além-mar para mostrar a sua música, tocando por ruas de diversas cidades no Brasil, Espanha e França. Os seus palcos eram esplanadas e estações de metro, e animava quem passava, não só com os seus temas originais, mas também com versões de músicos, como Bob Dylan ou Paul Simon.

Com o regresso a Portugal em 1979, edita o seu terceiro registo de originais “Qualquer Coisa Pá Música”, seguindo-se inúmeras actuações a vivo.

Chic na Dança do Som

2010-12-26T06:09:00.000-08:00

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A Dança do Som desta semana recua três décadas para “let the good times roll”. Não, a visita não é dos Cars, mas a boleia é dos Chic, em modo Disco Sound.

Texto de Ana Luísa Silva

Good times, these are the good times

E assim começa a música que fez mexer e remexer corpos de adolescentes de todo o mundo. O movimento Disco estava na berra. Com ele vieram as calças à boca-de-sino, as camisolas justas e com mangas largas. Os cabelos grandes e cheios de brilhantina. O R&B. E através dele nasceu um mítico grupo musical.

Ponto de partida: 1979. Banda? Os Chic. Em 1978, o grupo lançou C’est Chic, que continha uma das mais conhecidas e famosas faixas da banda: “Le Freak”. O ano seguinte trouxe Risqué ao mundo e com ele “Good Times”, que acabou por ser considerada a música mais influenciável da época.

A faixa de que lhe falamos hoje formou-se pela junção de “Grandmaster Flash’s” e “Sugarhill Gang’s” e além de ser a música que mais remisturas sofreu, serviu também de influência a outros grupos como os Queen, os Blondie ou os Daft Punk.

A música faz-nos olhar alegremente para o que foi a década Disco, para muitos gerações desconhecida ou pouco explorada. Contudo, nada de pesares…À letra…

Good times

Thes are the good times

Leave your cares behind

Seinfeld na Máquina do Tempo

2010-12-23T05:40:00.000-08:00

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A famosa “série sobre nada” continua a ser transmitida nas televisões em todo o mundo desde finais dos anos 80. Porquê?O que fez com que ninguém ficasse indiferente a Seinfeld?

Texto de Miguel Ribeiro

Criada por dois comediantes ,Larry David e Jerry Seinfeld, esta série surgiu pela primeira vez no ar na NBC em 1989. Passada essencialmente no apartamento de Jerry (que interpretava uma versão ficionalizada dele próprio) esta envolvia também o seu “gangue”, protagonizado por George Constanza (Jason Alexander), Elaine Benes (Julia Louis-Dreyfus) e Cosmo Kramer (Michael Richards).

Na altura em que surgiu, Seinfeld apresentou inovações ao nível da narrativa ,que não se tinha ainda visto em sitcoms. Usualmente este tipo de séries apresentava uma família ,onde em cada episódio existia um problema e estes tinham que resolvê-lo, sempre com uma moral a ensinar , fazendo com que a audiência sinta algum tipo de empatia pelas personagens.

Em Seinfeld, esta “regra” não se cumpre. As estórias desenvolvem-se à volta de trivialidades diárias da vida , como esperar na fila para ver um filme; tomar um café e conversar ou reclamar das pequenas coisas e injustiças que aparecem no nosso percurso.

Se repararmos, a série em si tem uma visão muito negativista da vida (provavelmente culpa de Larry David, criador e personagem principal da série Curb Your Enthusiasm). As quatro personagens principais não têm ligações de parentesco, são todos adultos solteiros sem grandes morais, regra geral os episódios não envolviam finais felizes, a não ser que fossem à custa da miséria de outrém e nunca aprendiam nenhuma lição ou evoluiam por terem cometido erros.

Do que se sabe da série, é que não se queria que se criasse grandes ligações emocionais com as personagens, havendo até uma frase que diziam os criadores: “No hugging, no learning” (nada de abraços nem aprendizagem).

Todas as quatro personagens principais são egocêntricas e hostis a todos os que entram no seu pequeno círculo. Há sempre um ponto na série, em que uma personagem secundária que foi introduzida, irá desaparecer devido a algum sarilho em que George, Elaine, Kramer ou Jerry se tenham envolvido e não queiram dar o braço a torcer.

Mas talvez por isso é que se tornaram tão mágicas para nós, audiência. Vemos estas pessoas a seguirem o seu caminho, representando pequenas características que revemos em nós próprios e nos outros, normalmente sempre negativas como, mesquinhez, inveja, egocentrismo, desonestidade, futilidade, entre outras, mas que como está num pacote de comédia não deixamos de querer ver o próximo episódio e as peripécias em que se vão envolver.

Será que George vai finalmente deixar de ser um falhado e alcançar sucesso? Será que Elaine vai finalmente encontrar o homem da vida dela? Qual será a próxima mesquinhez que Jerry apresentará para acabar com uma namorada? Como será a próxima entrada de Kramer em casa de Jerry? Nós sabemos sempre a resposta a estas perguntas, mas nem por isso deixamos de ver o episódio que segue.

Talvez por isso seja a série que há mais tempo é repetida na televisão norte-americana e essencialmente no resto do mundo. Nunca cansa ,porque representa uma faceta de nós mesmos. Aquele lado negro que nunca ninguém quer ver expresso, mas que ás vezes acontece, e que assim como na série, tem algum tipo de consequência (ver último episódio) tal e qual como acontece connosco na realidade.

Para recordar:

Modo Classic Rock

2010-12-22T05:35:00.000-08:00

No Fun by Iggy and The Stooges

Link da imagem

Ninguém esperaria ouvir, em plenos anos sessenta, um grito de revolta contra o aborrecimento. Estávamos em plena era hippie. Make love, not war… Por isso, também ninguém esperava ver surgir uma figura como Iggy Pop na América das flores no cabelo… “No fun” é uma espécie de premonição do movimento Punk que despontaria na década seguinte…e que hoje nos bate à porta.

Texto de Maria Coutinho

The Stooges foi a primeira banda que gravou com a voz de Iggy Pop (nesta altura era Iggy Stooge), mas é também o título do álbum que, em 1969, a Elektra Records lançou, com arranjos do mesmo John Cale que conhecemos nos Velvet Undergound. Na altura não terá causado grande impressão, pelo menos a avaliar pelos fraquíssimos resultados de vendas. Mas com o passar do tempo impôs-se como um dos maiores álbuns de estreia de sempre na história do Rock.

Há um mito urbano acerca deste álbum: consta que a editora terá exigido mais material do que as cinco músicas que a banda apresentou para gravar. Mentindo para não perder a oportunidade, os músicos teriam assegurado que tinham muito mais composições para trazer no dia seguinte…

Uma noite de ensaios muito criativa deu origem aos restantes temas que acabaram por integrar o disco de estreia da banda ( "Real Cool Time," "Not Right" e "Little Doll"). Isto só foi possível porque o método de trabalho dos The Stooges constituía em compor peças de um a dois minutos e improvisar mais alguns minutos para completar.

Já nesta época havia algo de único nas performances de Iggy, um estilo de apresentação em palco que é inimitável, por mais que se possa detectar a sua influência em outros artistas até aos dias de hoje.

Reza a lenda que terá sido o inventor do “stagediving” e é bem famosa a sua capacidade de surpreender com contorcionismos pouco ortodoxos de sangue, suor e lágrimas, que vão desde a auto-mutilação à exibição de uma nudez que nenhuma mãe aprovaria, e que levam o público ao delírio. Uma liberdade artística que, segundo se diz, terá sido inspirada pela actuação de Jim Morrison num espectáculo dos The Doors a que Iggy assistiu em 1967.

A irreverência é, aliás, a imagem de marca de Iggy Pop. É toda uma postura que já era punk antes deste movimento explodir com a sua atitude, sempre do "contra". Em “No Fun” Mr Pop responde a “Walk The Line”, o êxito em que um Johny Cash recém-casado promete ser fiel e “portar-se bem”…

Mas para Iggy isso significa monotonia, aborrecimento, “no fun”… É a mesma atitude que leva os punks ingleses, anos mais tarde, a assumir que preferem uma vida curta, mas intensa, e certamente não foi por coincidência que os Sex Pistols gravaram a sua versão deste tema.

Nas exibições ao vivo , “No Fun” ganha uma dinâmica especial, a postura de Iggy Pop torna-se mais agressiva, a atitude de revolta mais patente…. É frequente ouvi-lo gritar repetidamente o título “No Fun”, que se converte numa espécie de palavra de ordem…Um grito de guerra inconfundivelmente punk. A recordar...

Crítica Musical-Parte II

2010-12-22T05:18:00.000-08:00

Álbum «10.000 anos depois entre Vénus e Marte»

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A ideia é simples: vamos entrar numa nave espacial, fugir e voltar mais tarde a uma Terra sem os horrores do presente.

Texto de Tiago Queirós

«O Ultimo dia na Terra» dá início a esta jornada como apresentação de um mundo que não será o desejado, cheio de cimento e betão. Um planeta « que não pode mais viver». É em passo de despedida, num down-tempo , repleto de sons atmosféricos que nos levam directamente para os anos 70.

É difícil associar um álbum português nos melhores do mundo, seja de que género for, é sempre algo surpreendente. Mas o feito será certamente maior porque Cid canta a sua língua. Na língua que poucos ouviram ser cantada pelo mundo. Há vida para além do Fado em Portugal, e não é recente.

O «Caos» que o planeta Terra verifíca é pretexto para um dos temas mais dinâmicos do álbum. Dançável e orelhudo, complementa-se pelo fantástico trabalho trabalho de Mike Sergeant (guitarrista) , colega dos tempos do Quarteto 1111. É em passo de corrida que se cria um dos sons mais épicos da carreira deste ícone da música portuguesa.

«Todos os caminhos levam a lado nenhum» é algo que ecoa na cabeça, assim como o baixo que marca os tempos da música de forma notável. Temos de sair deste planeta e voltar, quem sabe , daqui a 10 000 anos...

O ritmo quebra mais uma vez. De repente sente-se uma certa tranquilidade nas notas produzidas no teclado. O solo de guitarra é de outro mundo, e é assim que começamos a «Fuga para o Espaço».

É impressionante a forma como se espelha na música a progressividade de um tema, que apesar de abstracto, chega facilmente ao coração das pessoas, conseguindo ganhar uma certa consciencialização sobre o panorama em geral : o mundo que nos rodeia.

Os back-vocals conseguem captar o nosso ser irracional, neutralizando-o numa galáxia distante e deixando-o a flutuar algures a milhares de anos-luz. Ao nível dos vocals de «Great Gig in the Sky», sem nunca cair no cansaço de um tema mais sinfónico.

Neste capítulo quatro desta epopeia espacial chegamos finalmente ao nosso destino - «Mellotron, o Planeta Fantástico».

O destino é também ele o pico. Não só de um álbum como de uma carreira. Daqui para a frente o autor poderá fazer o que quiser que estará perdoado. Este conjunto deu um novo mundo ao mundo, e é em honra ao instrumento que marca toda a geração progressista e psicadélica que se baptiza este planeta de Mellotron.

Numa fase inicial sente-se um certo sentimento de descoberta, e diria até uma certo optimismo face ao desbravar de novas oportunidades que este novo mundo terá para oferecer... no entanto a Terra ficou para trás.

O segredo dos temas encontra-se nos sons atmosféricos e na opção dos tempos com o desenrolar da “viagem”.

O tema «10.000 anos depois entre Vénus e Marte» apresenta um novo planeta, ou quem sabe um planeta renovado, pronto a ser povoado e a começar do zero. Uma nova luz ao fundo do túnel. Uma nova luz no radar, entre Vénus e Marte. Mais uma vez os sintetizadores retratam um mundo ao nível do Star Trek, que nos conduzem até uma nave repleta de botões e luzinhas, onde pequenos astros se vislumbram pela janela. Mais uma vez o sentimento de nostalgia prevalece na música que demonstra uma certa calma. Mais um momento de reflexão antes da aventura.

É neste pequenos pormenores que se demonstra o génio de um artista, muitas vezes julgado pelas opções que tomou na carreira, mas que nem sempre fora apoiado como talvez fosse necessário.

«A Partir do Zero» retoma o ritmo rápido, e apesar de não ter feito referência, o trabalho do baterista é essencial. Sem ele, o efeito atmosférico dos sintetizadores não seria de forma alguma maximizado.

Apela-se ao renascimento de um planeta e de uma civilização. Aplaude-se um novo início. A música volta a encarnar um sentimento optimista. Estamos de volta ao planeta Terra.

«Memos» relembra uma viagem de 10. 000 anos que deixa as suas marcas, memórias e lembranças. E é pegando no instrumental de «Fuga para o Espaço» que se relembra a fuga... Este é um tema algo confuso no encaixe do álbum, mas possivelmente o autor tenta relembrar que noutros tempos tivemos de fugir e que temos que ter isso em mente, de forma a não cair nos mesmos erros.

José Cid despede-se nesta jornada presenteando-nos com «Vida ( Sons do Quotidiano)». É assim que termina uma das jornadas mais subvalorizadas da música portuguesa, naquele que deveria ser um álbum de culto e que só o tempo ditará o inevitável.

Este tema ainda revela algumas influências do Quarteto (relembre-se que fora lançado como EP anteriormente) mas o uso dos efeitos sonoros bem ao nível da geração psicadélica dos anos 70 demonstra que este é um álbum completo, com principio, meio e fim. Um fim que apresenta uma criança universal que apela à paz entre os homens como um Messias do futuro. Um fim longe de ser o final.

Infelizmente, o público não se demonstrou receptivo a este álbum que face aos seus custos tornou -se dispendioso demais para Cid arriscar um seguimento no rock progressivo. Daqui para a frente muitos dizem que a carreira de José Cid perdeu-se, mas simplesmente vendeu-se às suas próprias necessidades, e isso ninguém pode julgar.

Da próxima vez que virem este senhor na televisão, lembrem-se que há muito mais na sua carreira , do que macacos que gostam de bananas.

Crítica Musical -Parte I

2010-12-22T05:03:00.000-08:00

Álbum «10.000 anos depois entre Vénus e Marte»

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O Quarteto 1111 fora baptizado, por muitos, como os Beatles portugueses. Anos mais tarde José Cid, já a solo, provara ser um autêntico “José Waters” naquele que viria a ser um álbum histórico a nível nacional , constando nas mais conceituadas listagens internacionais – «10.000 anos depois entre Vénus e Marte».

Texto de Tiago Queirós

O público vê nas suas estrelas deuses mitológicos que automaticamente têm acesso a todo o tipo de luxos e regalias que o comum mortal não terá. Por esta ordem de ideias, a liberdade criativa do músico não deve ceder a nada que o rodeie. Isto é completamente errado, e José Cid prova isso mesmo com o ditar da sua carreira , agora voltada para um registo popular, indicada a um público passageiro ou menos direccionado.

Com os Quarteto 1111 uma nova cultura pop rock, repleta de influências na Beatlemania e na cena musical Inglesa, Cid ganhou notoriedade no público português e muito se deve ao desaparecido Rei D. Sebastião e à lenda que dita tal tragédia. O nível internacional do Quarteto levou-os a cabeças de cartaz daquele que seria o primeiro festival de verão nacional, Vilar de Mouros, também conhecido como o Woodstock português. Não era de todo um desconhecido, mas queria mais.

As origens

Com o sucesso de «Dark Side of The Moon (1973)» e de bandas como os Genesis, Yes e Camel ( que certamente terá a sua cota de influência) abriu-se uma oportunidade aos olhos de Cid de tentar algo mais progressivo.

Em 1978, e a muito custo, o álbum «10.000 anos depois entre Vénus e Marte» é editado pela Orfeu , que muitos entraves colocou sobre a produção do mesmo e posteriormente pela sua distribuição. A verdade é que ainda hoje este não é um álbum apelativo a multidões e a sua produção alcançou custos acima da média. Preço que poucos estariam dispostos a pagar por pormenores deliciosos, que marcaram os anos 70, como é o caso do uso do Mellotron, de todo um conjunto de sintetizadores e de um artwork de uma impressão acima da média.

Tudo começa um ano antes com o lançamento do EP «Vida (Sons do Quotidiano)» que apresentava um rock mais sinfónico e com uma estrutura pouco habitual para a época. Mais complexa e trabalhada com base num pequeno resumo de doze minutos daquilo que a vida representa – uma história.

Do berço à campa, Cid usa todo um mundo de efeitos atmosféricos e de sons do quotidiano (como anuncia o título) que nos encaixam na perfeição naquilo que será um flashback de pequenos momentos – desde a maternidade com o anunciar do nascimento, ao entusiasmo de crianças a brincarem, quem sabe, no recreio da escola... até ao final trágico de um acidente de viação.

«10.000 anos depois entre Vénus e Marte» leva-nos ainda mais longe. Se seguirmos a sequência de músicas e a aceitarmos como um índice, será certamente mais fácil entrar nesta viagem.

Altered Images em Modo Pop

2010-12-21T06:53:00.000-08:00

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No modo pop desta semana a viagem aterra novamente nos anos oitenta. O grupo? Altered Images? Argumento? "I could be happy". E nós somos "happy" ao ouvir este tema, e muitos foram certamente os felizardos a beneficiar desta new wave , hoje aqui de visita.

Texto de Irene Leite

Falar em Altered Images envolve New Wave e Clare Grogan, a talentosa vocalista do grupo, que nos inícios dos anos oitenta também dava cartas no cinema (participou no filme "Gregory´s Girl", em 1980). O seu carisma e beleza onduziram rapidamente a jovem para o estrelato.

Tudo começou em 1979, depois de estabelecidos os primeiros contactos com Scots Michael "Tich" Anderson (bateria) , Tony McDaid (guitarra) e Johnny McElhone (baixo). Quatro amigos de escola influenciados pela cena indie na Inglaterra pós punk, dispostos a arriscar numa carreira musical.

Um aspecto muito importante na história dos Altered Images é o contacto com Siouxie and the Banshees , que lhes valeu a abertura de um concerto da banda em Glasgow. Estávamos em Junho de 1980. O grupo saiu-se bem e seguiu na estrada com a banda punk rock, à boleia da tour "kaleidoscope". A benção do icónico radialista John Peel ajudou na solidificação da credibilidade de Clare Grogan e companhia. Estavam reunidas as condições para o grupo deslocar-se para os estúdios.

Com "Happy Birthday" (1981) saíram temas como "Love and Kisses" ou "Real Toys" . Seguiu-se "Pinky Blue", com êxitos como "I Could be happy" ou "See those eyes". A carreira da banda terminava em 83 com um último álbum: "Bite", que ficou bastante aquém dos últimos dois trabalhos.

O tema que propomos ao nosso leitor situa-se na fase de ouro dos Altered Images , que em "I could be happy" conseguem encher o nosso imaginário de alegria , com direito a indumentária muito colorida. Cuidado , porque é dia de coração na boca e razão a flutuar. Sabe bem não sabe?

Dá que pensar...

2010-12-21T06:19:00.000-08:00

O Caminho da Vida

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O caminho da vida pode ser o da liberdade e da beleza, no entanto, desviamos.

A cobiça envenenou a alma dos homens... levantou no mundo as muralhas do ódios... e tem-nos feito marchar a passo de ganso para a miséria e morticínios.

Criamos a época da velocidade, mas sentimo-nos enclausurados dentro dela. A máquina, que produz abundância, tem-nos deixado em penúria.

Nossos conhecimentos fizeram-nos cépticos; nossa inteligência, empedernidos e cruéis. Pensamos em demasia e sentimos bem pouco.

Mais do que de máquinas, precisamos de humanidade. Mais do que de inteligência, precisamos de afeição e doçura. Sem essas virtudes, a vida será de violência e tudo será perdido.

(O Último discurso, do filme O Grande Ditador)

Luso Vintage

2010-12-20T04:59:00.000-08:00

José Cid, Uma Lenda Viva

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Há mais de quarenta anos a encantar as massas, José Cid é um dos mais acarinhados artistas da música ligeira portuguesa. Ao longo da sua carreira participou em diversas bandas, mas foi como vocalista e teclista do Quarteto 1111, que encontrou a popularidade que o perseguiu no seu trajecto a solo, até aos dias de hoje.

Texto de Carmen Gonçalves

Corria o ano de 1967 quando o Quarteto 1111 imortalizou D. Sebastião, num tema inovador e arrojado para a época, “A lenda de El-Rei D. Sebastião”. Tal foi o sucesso, que no ano seguinte concorreram ao Festival da Canção com a música “Balada para D. Inês”. Os dados estavam lançados e a edição de um álbum seria o passo seguinte. Porém, em pleno regime ditatorial o disco homónimo foi silenciado pela censura política, uma vez que abordava questões sociais como a emigração e o colonialismo.

Em 1971, José Cid editou o seu primeiro álbum a solo, ao mesmo tempo que mantinha-se na estrada com o Quarteto que o conduziu ao estrelato. Mas a criatividade musical era muita, e além dos diversos EP’s que foi lançando, atirou-se a um novo projecto e surgiram os Green Windows, uma banda paralela ao Quarteto 1111, com a mesma formação, mas que apostava em temas mais comerciais.

Com esta banda surgiram os concursos nacionais e internacionais. Eram presença assídua no Festival da Canção, chegando a serem galardoados em 1975 no Festival de Tóquio, com o tema “Ontem, Hoje e Amanhã”.

Nesse mesmo ano despediu-se no Quarteto 1111, e em 1978 editou um dos melhores discos de rock progressivo de sempre “10.000 Anos Depois entre Vénus e Marte”, obtendo grande reconhecimento a nível internacional, e chegando a estar no top 100 dos melhores álbuns de rock progressivo da revista “Billboard”.

A década de 80 ficou marcada com a obtenção do primeiro lugar no Festival da Canção com o tema “Um Grande Grande Amor”, seguindo-se a gravação de temas que marcaram a música nacional, como “Portuguesa Bonita” ou “Como o Macaco Gosta de Bananas”. Mesmo ao virar da década foi a estrela do programa musical da RTP “Natal com José Cid”.

Nos dez anos seguintes José Cid editou vários álbuns, mas a sua imagem viria a ficar associada a uma foto que surgiu na imprensa, de protesto contra as rádios nacionais. A sua irreverência fê-lo pousar nú para uma revista social, como forma de protesto em relação ao facto das rádios nacionais privilegiarem os intérpretes estrangeiros, em detrimento dos portugueses.

Em 2000 editou um livro de poesia, intitulado “Tantos Anos de Poesia”, e após o lançamento de mais alguns álbuns, em 2006 actuou na mítica e renovada sala de Lisboa, “Cabaret Maxime” em duas noites completamente esgotadas. Foi a rampa de lançamento para actuações ao vivo, participações em programas televisivos e a conquista de uma camada mais jovem de fãs.

No final do ano passado editou um novo registo de originais, “Coisas do Amor e do Mar”, que contou com a colaboração de músicos, entre os quais Luís Represas e André Sardet. Ao cair do pano, foi ainda galardoado com o prémio de consagração de carreira pela Sociedade Portuguesa de Autores, tendo sido o primeiro músico português a ser distinguido com este prémio.

Lenda viva, génio criativo, ou artista excêntrico e irreverente. O que é certo é que José Cid anda há mais de 40 anos a dar cartas no panorama da música nacional. Não deixa ninguém indiferente por onde passa, e seguramente, ainda tem muito para dar e mostrar.

Para recordar fica ao vídeo da música vencedora do Festival da Canção de 1980, “Um Grande Grande Amor”:

MGMT no Campo Pequeno

2010-12-18T08:49:00.000-08:00

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Lisboa vai aquecer esta noite. Os MGMT estão de regresso a Portugal para mais um espectáculo “Oracular Spectacular” no Campo Pequeno , que promete muita cor, amor, proximidade e coisas bonitas.

Texto de Ana Luísa Silva

Vieram ao Mundo em 2002 e colocaram-no a seus pés. Detentores de uma facilidade em misturar estilos únicos e irreverentes, os MGMT prometem arrasar com Lisboa. Os estudantes de artes Ben Goldwasser e Andrew VanWyngarden formaram a mais recente banda de rock psicadélico enquanto estudavam.

Influenciados por Nine Inch Nails, Led Zeppelin, Of Montreal, Loop e Radiohead, o duo americano veio abanar com a indústria musical tal e qual a conhecíamos. “Time to Pretend” é o primeiro EP a ser lançado pela pequena editora indie “Cantora Records”. Segue-se o surpreendente “Oracular Spectacular” em 2007 que conseguiu arrecadar discos de platina em vários cantos do Mundo, vendendo mais de 500,000 cópias só nos EUA.

O single “Kids” marca o ano de 2008 com o seu espectacular videoclip.

A partir daí é sempre a subir, com álbum fresquinho lançado este ano:“Congratulations".
Se ficou convencido e se a sua “onda” são as cores, a luz, o espectacular e o desconhecido , tem hoje Campo Pequeno em Lisboa pelas 21 horas à sua espera. O preço dos bilhetes varia entre os 30 e os 33 euros.

Até lá...

Espaço The Indies

2010-12-17T17:21:00.000-08:00

Música: pagar ou não pagar?

Texto de Bruno Vieira

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Existe um tema incontornável no mundo da música que tem adquirido grande relevância nos últimos anos, que é se a mesma deve, ou não, ser paga. Na minha opinião a música deve ser paga como qualquer outro produto cultural, tal como acontece com os livros, filmes ou espectáculos ao vivo. Estes produtos culturais têm de ser vistos como fruto do trabalho de artistas, escritores, produtores, realizadores, entre outros, e que naturalmente terão de ser remunerados por duas razões: a da sua própria subsistência e também como garantia de darem continuidade às suas carreiras enquanto artistas.

Mais concretamente em relação à música e perante as vendas cada vez menores de discos, penso que a indústria discográfica acordou demasiado tarde para o problema, mas também não sou apologista da “música à borla”, como já referi. Para que as coisas não tivessem chegado ao ponto que chegaram, o equilíbrio já devia ter sido encontrado há algum tempo atrás. E de que forma? Baixando o preço da música na altura certa!

Em meados da década de 90 o preço médio de um CD rondava os 17 € aquando do seu lançamento e salvo raras excepções (como promoções), assim se mantinha durante uns bons tempos. Actualmente o cenário é um pouco diferente, um álbum novo raramente é lançado acima dos 15 € (mais barato ainda se tivermos em conta a evolução dos preços), mas passado algum tempo o seu peço vai baixando até fazer parte de uma campanha, onde é possível adquiri-lo praticamente a metade do preço inicial.

Tal realidade até poderia ser favorável às editoras, justificada pelo facto da música estar cada vez mais acessível, mas o problema reside precisamente aqui. Medidas como estas pecam por tardias e dificilmente irão reverter a actual tendência do mercado e contrariar a pirataria.

Voltando aos Anos 90, ainda antes da internet se generalizar já se copiava música ,se bem que em menor escala. Depois do surgimento daquela, veio a partilha generalizada e ilegal, agravando ainda mais a situação do mercado, ou seja, numa relação directa de quanto mais se pirateia, menos se vende.

As pessoas começaram aos poucos a pensar que a música de facto podia ser um bem gratuito, e as editoras mantendo uma posição irredutível não reagiram a tempo a esta tendência do mercado, que mais tarde viria a adquirir contornos de quase catástrofe para a indústria discográfica. Apenas como exemplo: não há muito tempo atrás o disco de platina ,que era atribuído a cada 40.000 exemplares vendidos, actualmente está nos 20.000.

Também não sou ingénuo ao ponto de achar que música mais barata seja sinónimo de ausência de pirataria, mas esta seria quase de certeza em menor escala. Para além da música sem custos para o ouvinte, a pirataria originou um novo paradigma que foi o das pessoas começarem a olhar para a mesma de forma descartável, do tipo ouvir e deitar fora. Como não custa nada também não se faz grande esforço para se gostar, sendo facilmente posta de lado caso não entre à primeira nos nossos ouvidos.

Quando adquirimos algo é porque reconhecemos-lhe valor, podemos não ter todos os discos de que gostamos, mas os que temos são especiais. À medida que vão fazendo parte da nossa vida, há coisas que só descobrimos algum tempo depois de os termos adquirido. Não há nada como a sensação de ser o próprio álbum a surpreender-nos.

O facto de comprar música não significa que esteja a dar razão às editoras, provavelmente as principais responsáveis pela actual situação do mercado. Tenho sim tentado encontrar formas alternativas de adquirir os meus discos. Curioso por um lado como a internet ao facilitar a partilha de música ilegal, no meu caso proporcionou aceder à mesma de uma forma mais económica e legal.

Acredito sinceramente que se um CD acabadinho de chegar à loja custasse no máximo 8 € e que passado algum tempo baixasse até aos 4€/5€, a história seria outra, o que é o mesmo que dizer que as pessoas acabariam por comprá-lo. As editoras ganhavam menos por exemplar vendido, mas eram compensadas pelo maior número de vendas.

Como sabemos, os preços actuais estão longe destes valores e já há pouco ou nada a fazer a fim de reverter esta situação. Com o mal feito, a indústria discográfica vira-se agora para a música ao vivo, de forma a tentar compensar a perda de receitas na venda de discos com aumento das mesmas através da venda de bilhetes. Será provavelmente o aspecto mais positivo desta guerra, entre mortos e feridos a música ao vivo é a que mais tem crescido. Todos sabemos que em matéria de concertos, estes são cada vez mais numerosos e abrangentes no que respeita a gostos.

Compreendo por um lado que a indústria musical tenha tido necessidade de se reajustar e encontrar alternativas para se aguentar à tona, ainda para mais num contexto adverso de crise crónica que parece não dar tréguas, mas por outro também me custa a aceitar que não se tenham encontrado ainda mecanismos eficazes para combater o problema da partilha ilegal de música.

Actualmente a pirataria é olhada como algo aceitável e de certa forma desculpável, quando não o deveria ser. Ao ser tolerada acabará também por ser considerada como um não problema e a ilação que retiro é que muito poucos a querem ver erradicada. A interesse de quem?

MGMT na Dança do Som

2010-12-17T00:07:00.000-08:00

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Cabelos desgrenhados,  mal cortados, nada penteados. Olhares inocentes que no fundo nos tentam transmitir uma mensagem de maturidade única. Melodias enfeitiçadas e videoclips cheios de saltinhos. Simplicidade na forma de vestir e cor. Muita cor. Já sabe de quem falo? Não? Fique por aí então.

Texto de Ana Luísa Silva

Nasceram em 2002 e puseram o Mundo inteiro a seus pés. Cozinham uma variedade de estilos musicais únicos que só os mais corajosos se atrevem. Se pensarmos numa mistura entre proto-electro punk, pop-friendly, rock psicadélico e muitos unicórnios temos o cocktail único que se dá pelo nome de MGMT.
Surgiram em Brooklyn, Nova Iorque, pela mão de Ben Goldwasser e Andrew VanWyngarden , estudantes de artes na Universidade de Middletown.

Começaram a carreira pelo nome de “Management” e da forma mais humilde possível. Sintetizadores, vozes pré gravadas e uma atitude algures entre a performance artística e a hostilidade punk da antiga faziam dos seus espectáculos, algo único e digno de se ver.

Universidade terminada, saída do seu primeiro EP em 2005. O electro-rock “Time to Pretend”, lançado pela pequeníssima editora indie “Cantora Records” veio ao Mundo para ser famoso. Com boas críticas (principalmente o single que dava o nome ao álbum) e grandes digressões, o duo americano rapidamente interessou o produtor britânico Steve Lillywhite e a sua equipa, assim como a Columbia Records, que acabou por ganhar esta pequena “disputa” e ficar com os MGMT.

2007 é o ano em que a banda assina com outro produtor e grava o fantástico “Oracular Spectacular” que é, de longe, o álbum mais musical do duo vendendo mais de 500,000 cópias nos EUA e chegando a platina na Austrália, Inglaterra e Irlanda.

O single “Kids” marca o ano de 2008 com o seu espectacular videoclip.

Os MGMT vêm a sua agenda recheada de concertos e digressões, o que os manteve bastante ocupados para se preocuparem com novos trabalhos discográficos... até ao presente ano, em que é lançado “Congratulations”, o mais recente registo discográfico do grupo.

Os MGMT regressam a Portugal este ano para um concerto no Campo Pequeno, em Lisboa já amanhã.

Dá que pensar...

2010-12-16T02:32:00.000-08:00

Fiodor Dostoievski
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Acho que, na maioria dos casos, quando uma pessoa se ri torna-se nojento olharmos para ela. Manifesta-se no riso das pessoas, na maioria das vezes, qualquer coisa de grosseiro que humilha a quem ri, embora essa pessoa quase nunca saiba que efeito o seu riso provoca. Tal como não sabe (ninguém sabe, aliás) a cara que faz quando dorme. Há quem mantenha no sono uma cara inteligente, mas outros há que, embora inteligentes, fazem uma cara tão estúpida a dormir que se torna ridícula.

Não sei por que tal acontece, apenas quero salientar que a pessoa que ri, tal como a pessoa que dorme, não sabe a cara que faz. De uma maneira geral, há muitíssimas pessoas que não sabem rir. Aliás, isso não é coisa que se aprenda: é um dom, não se pode aperfeiçoar o riso.

A não ser que nos reeduquemos interiormente, que nos desenvolvamos para melhor e que superemos os maus instintos do nosso carácter: então também o riso poderá possivelmente mudar para melhor. A pessoa manifesta no riso aquilo que é, é possível conhecermos num instante todos os seus segredos.

Mesmo o riso incontestavelmente inteligente é, às vezes, abominável. O riso exige em primeiro lugar sinceridade, mas onde está a sinceridade das pessoas? O riso exige a ausência de maldade, mas as pessoas, na maioria dos casos, riem com maldade. Um riso sincero e sem maldade é uma pura alegria, mas, nos tempos que correm, onde está a alegria? E poderão as pessoas ser alegres?

A alegria é um dos mais reveladores traços humanos, basta a alegria para revelar as pessoas dos pés à cabeça. Por vezes não há meio de percebermos o carácter de uma pessoa, mas basta ela rir para lhe conhecermos o feitio como às palmas das nossas mãos. Só as pessoas desenvolvidas do modo mais elevado e feliz sabem ser contagiosamente alegres, de uma maneira irresistível e benévola.

Não falo de desenvolvimento intelectual, mas de carácter, do homem como um todo. Portanto: se quiserdes compreender uma pessoa e conhecer-lhe a alma não presteis atenção à sua maneira de se calar, ou de falar, ou de chorar, ou de se emocionar com as ideias mais nobres, olhai antes para ela quando se ri. Ri-se bem - é boa pessoa.

Observai depois todos os matizes: por exemplo, é preciso que o riso não pareça estúpido, por mais alegre e ingénuo que seja. Mal detecteis a mais pequena nota de estupidez num riso, ficai sabendo que a pessoa que assim ri é intelectualmente limitada, apesar de deitar cá para fora um sem-fim de ideias. Mesmo que o riso não seja estúpido, se vos parecer ridículo, nem que seja um pouquinho, ficai sabendo que não há na pessoa que o ri uma verdadeira dignidade, pelo menos uma dignidade suficiente.

Por último, notai que, mesmo que um riso seja contagioso mas por qualquer razão vos pareça vulgar, também a natureza dessa pessoa é vulgar, que toda a nobreza e espírito sublime que tínheis visto nela ou são fingidos ou imitados inconscientemente, e que essa pessoa, no futuro, mudará inevitavelmente para pior, dedicar-se-á ao «útil», abandonando sem pena as ideias nobres como sendo erros e paixões da juventude.

(...) Apenas entendo que o riso é a mais certeira prova da alma. Olhai para uma criança: só as crianças sabem rir com perfeição, por isso são fascinantes. É abominável a criança que chora, mas a que ri alegremente é um raio do paraíso, é o futuro do homem quando ele, finalmente, se tornar tão puro e ingénuo como uma criança.

Fiodor Dostoievski, in 'O Adolescente'

Dá que pensar...

2010-12-16T02:30:00.000-08:00

Sophia de Mello Breyner Andresen
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As pessoas sensíveis

As pessoas sensíveis não são capazes
De matar galinhas
Porém são capazes
De comer galinhas

O dinheiro cheira a pobre e cheira
À roupa do seu corpo
Aquela roupa
Que depois da chuva secou sobre o corpo
Porque não tinham outra
O dinheiro cheira a pobre e cheira
A roupa
Que depois do suor não foi lavada
Porque não tinham outra

"Ganharás o pão com o suor do teu rosto"
Assim nos foi imposto
E não:
"Com o suor dos outros ganharás o pão."

Ó vendilhões do templo
Ó constructores
Das grandes estátuas balofas e pesadas
Ó cheios de devoção e de proveito

Perdoai-lhes Senhor
Porque eles sabem o que fazem.

Sophia de Mello Breyner Andresen
(Livro sexto)

Dá que pensar...

2010-12-16T02:28:00.001-08:00

Quantas vezes, Amor, me tens ferido?

Bocage
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Quantas vezes, Amor, me tens ferido?
Quantas vezes, Razão, me tens curado?
Quão fácil de um estado a outro estado
O mortal sem querer é conduzido!

Tal, que em grau venerando, alto e luzido,
Como que até regia a mão do fado,
Onde o Sol, bem de todos, lhe é vedado,
Depois com ferros vis se vê cingido:

Para que o nosso orgulho as asas corte,
Que variedade inclui esta medida,
Este intervalo da existência à morte!

Travam-se gosto, e dor; sossego e lida;
É lei da natureza, é lei da sorte,
Que seja o mal e o bem matiz da vida.

Bocage

Janis Joplin em Modo Classic Rock

2010-12-15T06:25:00.000-08:00

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Uma nova versão de um clássico pode tornar-se num clássico em si mesmo… Uma canção de embalar pode converter-se num mega-hit de rock and roll… E mesmo no pico do Inverno podemos sentir o calor de um campo de algodão do sul negro dos E.U.A…. Tudo isto, e muito mais, em Summertime, a ária-folk transformada pelo toque de génio de Janis Joplin, mais uma vez em Modo Classic Rock.

Texto de Maria Coutinho

Baseado no texto original de DuBose Heyward, Porgy and Bess é a ópera-folk que resultou do trabalho conjunto de George e Ira Gershwin - irmãos, compositor e letrista - em colaboração com Heyward, co-autor das letras. Nesta obra harmonizam-se na perfeição os sons afro-americanos do jazz, blues, gospel e soul com um estilo cénico mais musical. Levada à cena pela primeira vez em 1935, as estreias, em Boston e Nova Iorque, não obtiveram grande sucesso - nem perante a crítica, nem no que respeita a vendas de bilheteira.

A peça só conquistou o grande público a partir de 1959, após a adaptação cinematográfica que contou com um elenco de luxo, de onde se destacam os nomes de Sidney Poitier e Sammy Davis Jr.. A partir daí, o sucesso disparou e os temas de Porgy and Bess tornaram-se conhecidos de todos.

Summertime, a canção de embalar cantada no acto I, e repetida mais algumas vezes ao longo da peça, acaba por ser a ária mais emblemática de toda a obra. Conhecem-se mais de 23.000 diferentes versões deste tema: desde instrumentais, como a obrigatória versão de Miles Davis, em que a letra cantada é substituída pela “voz” do trompete do mestre, às muitas tonalidades de vocalização, das quais sobressaem nomes tão grandes quanto os de Billie Holiday (a primeira a chegar aos tops), Nina Simone, Sam Cooke, John Coltrane, Frank Sinatra e Janis Joplin.

Na voz de Janis, Summertime parece ganhar asas e voar com vida própria, quase um improviso, todo ele alma, todo ele soul e blues, com uma guitarra que lembra uma peça clássica, quase um barroco, e uma outra a solar com distorção… Tudo isto com um “groove” próprio de uma grande banda de rock – como de facto o era a Big Brother and the Holding Company.

Editado em 1968 pela Columbia Records, Cheap Thrills é o último álbum de Janis com os Big Brother. A editora vetou tanto a capa como o título originais propostos pela banda, decerto em nome dos bons costumes que os americanos tanto prezam.

Em causa estavam um desenho de Robert Crumb, cartoonista, onde todos os elementos da banda apareciam nus numa cama, e o inspirado título “Sex, Dope and Cheap Thrills” (Sexo, Narcóticos e Emoções Baratas). A pedido de Joplin a capa acabou mesmo mesmo por sair da pena de Crumb , e foi considerada pelos leitores da Roling Stone como uma das dez melhores capas de disco de sempre.

Summertime foi um dos temas com que Janis encantou no festival de Woodstock. Foi também a última música do último espectáculo que os fãs puderam ver e ouvir ao vivo, em Agosto de 1970. Em Outubro desse mesmo ano a rainha do rock/folk/blues psicadélico partiria na sua última viagem de heroína, da qual não iria regressar com vida….

Cyndi Lauper no Modo Pop

2010-12-14T05:08:00.000-08:00

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Cyndi Lauper  está de regresso ao Modo Pop. De novo à magia dos anos 80: roupas,  ritmo, atitudes e personalidades. Mas desta vez num registo bem mais intimista.

Texto de Júlia Rocha

“I see your true colors shinning through”. Quão bem conhecemos as pessoas e quão bem deixamos que elas nos conheçam? A música True Colors, interpretada por Cyndi Lauper no seu álbum com o mesmo nome, foi um êxito tremendo, chegando ao número um da tabela Billboard. Trata-se do segundo álbum de estúdio de Lauper, lançado em 1986.

True Colors foi escrita por Tom Kelly e Billy Steinberg, autores de outros êxitos como Like a Virgin, de Madonna e Alone , das Heart. Steinberg escreveu esta canção para a sua mãe, mas Tom Kelly mudou-lhe o primeiro verso para o que hoje conhecemos.

Os letristas consideravam que a sua música podia ser cantada por qualquer pessoa, mas quando a apresentaram a Lauper, ela tornou-a sua. O refrão tem uma mensagem universal e única. Toca a todas as pessoas em determinados momentos da vida.

Apesar de esta ter sido a única faixa do álbum que Cyndi Lauper não escreveu, ou não ajudou a escrever, foi a que mais sucesso teve. Quando a música foi apresentada à cantora por Kelly e Steinbeck, foi cantada em estilo gospel, como Bridge Over Troubled Water de Simon & Garfunkel. Mas Lauper desfez esse arranjo mais tradicional e optou por personalizar a música.

Os autores ficaram bastante satisfeitos. Em várias alturas e entrevistas, Steinbeck afirma como ficou muito feliz pela maneira como Lauper diz o verso “Can’t remember when i last saw you laughing”. É como se fosse falado, não cantado. A música dirige-se exclusivamente à pessoa que a está a ouvir.

A letra fala-nos de conhecer uma pessoa, ver como ela é na realidade, conhecer as suas verdadeiras cores e pensamentos. Apesar de já estar bastante ouvida e representar parar muitos um cliché sem razão, True Colors não é exclusivamente uma balada romântica. Adapta-se a diversas circuntâncias, o que era mesmo pretendido quando Steinbeck e Kelly a escreveram.

O toque de Cyndi Lauper na melodia está sempre presente. A cantora norte-americana desde sempre habituou o público à sua voz rouca e à aura vintage que hoje em dia rodeia a música. Apesar de já se terem feito outras versões de True Colors (por exemplo por Phil Collins), é a voz da jovem rebelde com que mais identificamos as “true colors shinning through”.

Para recordar:

Luso Vintage

2010-12-13T06:10:00.000-08:00

Uma visita ao percurso dos Tantra

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No Luso Vintage desta semana recebemos os Tantra, grupo pioneiro no seu tempo , marcando uma década repleta de mudanças. O rock mais progressivo que trabalhavam permitiu um lugar especial na história da música em língua de Camões. Hoje em visita no Som à Letra.

Texto de Carmen Gonçalves

Estávamos na época do pós 25 de Abril, em que a juventude portuguesa encontrava-se desperta para o que melhor da democracia podia trazer: liberdade de expressão. Os cantores de intervenção, outrora ouvidos clandestinamente, rodavam abertamente nas rádios, influenciando diversos projectos musicais que começavam a surgir.

As vivências actuais de uma nova realidade social serviam de pano de fundo para as canções da época. Contudo a aposta musical seria a mesma, assente num espírito mais interventivo e pouco inovador.
Até que em 1976, começou-se a ouvir falar de uma banda que aliava o rock mais progressivo a representações cénicas, quase teatrais, que arrastava multidões, claramente influenciada por grupos internacionais, como os Genesis ou os Yes. O primeiro single editado ainda com a formação inicial, “Alquimia da Luz”, é prova disso mesmo.

Os Tantra vieram colmatar um vazio que existia no panorama nacional, conferindo ao rock uma via para expressar as ideias mais revolucionárias, à semelhança com o que acontecia na altura com a música popular ligeira.

Fundado por Manuel Cardoso (guitarrista) em conjunto com Armando Gama (pianista), o nome Tantra, surge devido à forte componente espiritual associada ao grupo, e sobretudo ao seu fundador. Mais tarde juntaram-se os restantes músicos, Américo Luís (no baixo), Rui Rosas (na bateria) e Firmino (na percussão).

Contudo esta formação viria a sofrer alterações, e só após a saída de Rosas e Firmino e entrada do baterista Tozé Almeida em 1977, é que é editado o primeiro LP “Mistérios e Maravilhas”, considerado hoje um clássico do rock progressivo, mesmo a nível internacional.

Mais tarde, Tony Moura juntou-se à restante formação para reforçar as vozes, numa dinâmica mais teatral que viria a ser apresentada ao vivo, com Manuel Cardoso a liderar as hostes, usando uma máscara em palco, representando um velho no tema “À Beira do Fim”.

Em 1978 os Tantra editaram o segundo álbum “Holocausto”, com Pedro Luís que ocupou o lugar de Armando Gama, mas foi com o terceiro disco “Humanoid Flesh”, de 1980, já com a entrada de Pedro Ayres Magalhães, que o rock progressivo deu lugar à New Wave, e o Inglês substituiu a língua de Camões.

Os Tantra viriam a pôr um fim à sua carreira em 1981. Tozé integrou os Heróis do Mar e Manuel Cardoso editou alguns temas a solo.. Contudo em 1995, o fundador da banda remasterizou o álbum ao vivo de 1977 “Live Ritual”, tendo despertado a vontade de recuperar a banda, o que veio a acontecer em 1998, sendo o único elemento da formação original. O resultado foi dois álbuns de originais, “Terra” de 2002 e “Delirium”, de 2005.

Os Tantra foram pioneiros do seu tempo, marcaram uma década repleta de mudanças e singraram com o seu rock mais progressivo, tendo influenciado gerações vindouras de bandas nacionais.

Para recordar:

Deolinda no Inovaluso

2010-12-13T05:33:00.000-08:00

Música com "dois selos e um carimbo"

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No Inovaluso desta semana temos correio garantido com "Dois selos e um carimbo". O som e a letra são garantidos pelos Deolinda , grupo cuja fusão do fado com atitude e performance vincadas no século XXI lhes confere um lugar cativo no panorama musical em língua de Camões, e não só...

Texto de Gabriela Chagas

Dois Selos e um Carimbo está a ser um sucesso internacional , mas há muito que os Deolinda fazem história no panorama musical, encantando com músicas inspiradas pelo fado e pelas suas origens tradicionais.

Já com vinte mil exemplares vendidos, o novo álbum , "Dois selos e um carimbo", que em Portugal entrou directamente para número um do top de vendas, foi eleito pelo jornal britânico Sunday Times um dos melhores de 2010 na categoria de world music/jazz, um foco quase que esperado. No ano passado tinha feito parte da lista com o primeiro disco da banda “Canção ao lado”.

Este é apenas um dos exemplos de reconhecimento internacional do trabalho desta banda portuguesa nascida em 2006. Em Abril passado os Deolinda foram distinguidos com o Prémio da revista britânica Songlines.

A banda esteve este ano em digressão internacional, passando por países como os EUA, Suécia, Bélgica e Holanda e no início do próximo ano o grupo prepara-se para uma estreia nos Coliseus, a 22 de Janeiro no Porto e a 29 em Lisboa.

O projecto musical surgiu em 2006 quando os irmãos Pedro da Silva Martins e Luís José Martins convidaram a prima, Ana Bacalhau, então vocalista dos Lupanar, para cantar quatro canções.

Ao grupo juntou-se José Pedro Leitão, também dos Lupanar e assim nasceram os Deolinda. Em 2008 o grupo lança o disco de estreia, "Canção ao Lado".

Desde esse momento a popularidade dos Deolinda disparou, tendo o disco alcançado o ouro , a platina e a dupla platina, o que corresponde à venda de mais de 40 mil unidades , seguindo-se depois o seu lançamento no mercado europeu.

Um convite:

Som ao Vivo

2010-12-12T07:10:00.000-08:00

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Deftones @ Campo Pequeno, 9 de Dezembro 2010

Há muito que é certo e sabido que os Deftones criaram um público fiel no nosso país. Essa fidelidade é visível a cada passo que dão na sua carreira, que apesar de juvenil já não se pode afirmar jovem.

Texto de Tiago Queirós

Foi perante uma plateia bem composta, mas não esgotada, que se apresentaram na arena do Campo Pequeno. Fazendo juz à tradição daquele espaço, foi vísivel a «tourada» manifestada ao longo do concerto : Mosh-pits, crowd surfing e outros estrangeirismos fizeram largar muito suor durante os vinte e cinco temas que a banda de White Pony trouxe na bagagem.

Como seria de esperar, «Rocket Skate» abriu as hostes como se de um teste se tratasse. Na plateia, assim como na bancada, o público passou com distinção demonstrando que Diamond Eyes já faz parte da sua discografia. “Guns! Razors! Knifes!» marcava o primeiro coro da noite que advinhava-se já ganha à partida.

Possivelmente não será dos melhores temas de abertura, e isso verifica-se comparando com a ultima passagem de Chino Moreno pelo festival Optimus Alive onde abriram com «Headup» em que muitos ficaram sem voz, tentando atingir o nível de Max Cavalera ( Sepultura; Soulfly, Nailbomb; Cavalera Conspirancy), que deu o seu contríbuto no tema. Pedia-se talvez algo mais rápido e não tão entregue ao down-tempo dos riffs pesados que compõem a música.

A sequência seguinte deliciou qualquer fã: sete clássicos foram entregues de bandeja sem exitar falhar na táctica. Uma «Around the Fur» tão madrugadora surpreendeu muita gente que não soube bem como reagir. Sentia-se um ambiente de pré-tempestade.

Se havia algum tipo de timídez, esta foi descaradamente perdida aos primeiros acordes de «My Own Summer ( Shove It)» que será sem dúvida um dos temas mais carismáticos da sua carreira. «Be Quiet and Drive (Far Away» , ironicamente barulhosa, será lembrada pela entrega que o vocalista demonstra perante o seu público tentando constantemente senti-lo, de forma literal, criando o caos nas proximidades da grade. Algo que se repetiu várias vezes durante o concerto e que já vai sendo imagem de marca de Chino Moreno.

Relembrando que White Pony (um dos álbuns mais marcantes da geração Nu-Metal) já tem uma década de existência, «Elite» que vencera um Emmy, «Knife Party», «Korea» e «Digital Bath» fazem muita gente voltar aos seus tempos de adolescente, onde os bonés para trás e as calças largas faziam parte do vestuário de dia-a-dia.

Ao contrário de bandas como Linkin Park e Papa Roach não se sente qualquer tipo de vergonha pelo passado nem do presente musical da banda. Esta soube crescer de forma saudável e sempre fiel, sem nunca temer a liberdade criativa. Hoje Deftones têm uma sonoridade própria e ninguém o pode negar. O nome que entitula o mais recente trabalho da banda demonstra isso mesmo: não são uma banda de moda. São uma banda de seguimento e de evolução, e a entrega que demonstram em palco prova o orgulho na música que tocam. A verdade é que isso se transmite para as pessoas.

«Risk» fora dedicada mais uma vez a Chi Cheng, o baixista original da banda, que se encontra em estado de coma num infeliz acidente de carro em Novembro de 2008.

Stephen Carpenter, guitarrista da banda, juntou-se a Sergio Vega (actual baixista) e ambos de baixo na mão deixaram o mítico vocalista brilhar como o único guitarrista em palco, dando todo um novo impacto e intensidade ao tema «Xerces» que fora o único de Saturday Night Wrist a constar da setlist. A verdade é que este fora sem dúvida o álbum menos sucedido da banda até ao momento o que certamente não terá entristecido muita gente.

«Prince» seguido dos dois singles mais recentes, «You've Seen the Butcher» e «Sextape» apresentaram aos mais distraídos o porquê deste novo álbum marcar o retorno em grande da banda. Era visível o nº de telemóveis a gravar este ultimo que sem dúvida representa o momento mais sentido e intimista da banda.

A quebra de ritmo, dos clássicos para as novidades e temas mais calmos, originou muitos pedidos vindos da plateia. O descanso soube bem, mas o público queria mais e a banda brindou-os com «Blood Cape» e «Minerva» do álbum homónimo de 2003. Apesar de não ser dos temas mais enérgicos, estes foram fortemente aplaudidos pela familiaridade e por uma certa nostalgia.

«Passenger» trouxe Tool de volta ao nosso imaginário e a díficil «Change (Into the House of Flies)» demonstrou que a voz de Chino está melhor do que nunca. Sem saudosismos, é notável a melhoria de concerto para concerto , fazendo esquecer a prestação duvidosa em 2006 no festival Super Bock Super Rock.

«Back to School» não será de todo dos temas que a banda gostará mais, visto que é resultado de uma certa pressão editorial sobre o tema «Pink Maggit», não fazendo parte do alinhamento original do álbum em que se insere (White Pony). No entanto é dos temas mais aplaudidos da noite e deixado para o fim como trunfo esmagador. “Tenho 14 anos de novo” ouvia-se entre saltos e empurrões. Certamente um dos momentos mais esperados da noite e sem dúvida alguma que não desiludiu. Nunca aquela arena teve tantos MC's.

Encores assim vale a pena. Ao contrário do que normalmente acontece, o sr. Carpenter não saiu de palco presenteando a sua assistência com um interludio algo psicadélico antecedendo uma recta final esmagadora , com base no primeiro álbum da banda – Adrenaline.

«Birthmark» teve direito a um Circle Pit de dimensões assinaláveis , dando a entender que ninguém queria sair dali sem exercitar as pernas. A energia formada nos ultimos temas seria comparável a uma central nuclear. «Root» e «Engine nº9» foram esmagadoras e provaram que apesar do passar dos anos , o impacto continua o mesmo.

A muito esperada «7 Words» é já um clássico de fecho. Este primeiro single da banda simulou o apocalipse e abalou os alicerces do Campo Pequeno. Que atire a primeira pedra quem não deu um único salto. Simplesmente impossível e sem dúvida um teste de resistência.

Muitos apontam este como o melhor concerto da banda nos ultimos anos no nosso país, e se o Tivoli criou algo de especial (dado o nº de pessoas permitido) e o Alive a megalómania, este concerto ficará na memória pela boa forma da banda. Não desiludiu de todo.

Mais tarde alguns fãs, que se mantiveram na traseira do Campo Pequeno, tiveram oportunidade de saudar a banda , que demonstrou a sua simpatia e proximidade ao público, deixando para trás autógrafos e fotografias , certamente guardadas por muitos para um dia mais tarde mostrarem aos netos.

Setlist:

Rocket Skate
Around the Fur
My Own Summer (Shove It)
Be Quiet and Drive (Far Away)
Elite
Knife Party
Korea
Digital Bath
CMND/CNTRL
Risk
Beauty School
Xerces
Prince
You've Seen the Butcher
Sextape
Bloody Cape
Minerva
Passenger
Change (Into the House of Flies)
Back to School

Encore:
Birthmark
Root
Engine nº9
7 Words

Dança do Som

2010-12-10T00:27:00.000-08:00

"Echoes" de klaxons

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Londres é a casa deles. Nasceram, cresceram e formaram-se lá. É das cidades que mais serve como base de preparação às maiores bandas que viveram nos 70’s, 80’s, 90’s, e agora nos 00’s. E foi em 2005 que os Klaxons nasceram. Hoje na Dança do Som. 

Texto de Ana Luísa Silva

A combinação de talentos de Jamie Reynolds, James Righton e Simon Taylor fazem desta, uma das bandas da nova indie internacional, mais populares. E isso talvez se deva ao facto destes três rapazolas saberem fazer o cocktail perfeito entre o que é a música alternativa e a “dance music” dos anos 80.

Presentearam-nos com o seu primeiro álbum em 2007. “Myths of the Near Future” não é só o registo de estreia como o álbum por excelência. Cheio de electrificantes músicas e letras nada seria o que é, sem a poderosa voz de Taylor. “Golden Skans” e “Gravity’s Rainbow” andaram a rolar em todos os bares e rádios durante muito tempo. Tempo suficiente para que os “uhuhuhuh ahhhhh” da “Golden Skans” se entranhassem na mente de todos.

Estiveram por duas vezes em Portugal há cerca de três anos para apresentara o primeiro trabalho. O público português extasiou-se e pediu mais.

2010 trouxe “Surfing the Void” , do qual se extraiu o single “Echoes”. Um videoclip desértico, em lusco-fusco e cheio de cores fazendo lembrar as roupas gritantes de Hendrix, são o prato principal de “Echoes”.

Os meninos cresceram, é visível. Deixaram de lado o “dark side of the universe” com que nos habituou o álbum de estreia e deram um salto em direcção ao mais seguro e vendável.

À falta de ideias para esta época natalícia, o Som À Letra sugere que a Passagem de Ano do caro leitor seja passada na óptima companhia dos Klaxons durante o “Falls Festival” na Tasmania , a 31 de Dezembro.

E para que se vá habituando ao ritmo “Klaxonzanico” deixe-se embrenhar em “Echoes” constantes:

Letra icónica

2010-12-10T00:24:00.000-08:00

A "Noite estrelada" de Van Gogh

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Súplica

Agora que o silêncio é um mar sem ondas,
E que nele posso navegar sem rumo,
Não respondas
Às urgentes perguntas
Que te fiz.
Deixa-me ser feliz
Assim,
Já tão longe de ti como de mim.

Perde-se a vida a desejá-la tanto.
Só soubemos sofrer, enquanto
O nosso amor
Durou.
Mas o tempo passou,
Há calmaria...
Não perturbes a paz que me foi dada.
Ouvir de novo a tua voz seria
Matar a sede com água salgada.

Miguel Torga

Máquina do Tempo

2010-12-09T02:51:00.000-08:00

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Na Máquina do Tempo desta semana viajamos até ao Verão de 69 para ir de encontro ao mítico festival de Woodstock. O momento é sonoro , de retrospecção e para muitos, de saudosismo.

Irene Leite

Dá que pensar...

2010-12-09T02:45:00.000-08:00

Friedrich Nietzsche

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Remédio para o Pessimismo

Queixas-te porque não encontras nada a teu gosto?
São então sempre os teus velhos caprichos
Ouço-te praguejar, gritar e escarrar...
Estou esgotado, o meu coração despedaça-se.
Ouve, meu caro, decide-te livremente.
A engolir um sapinho bem gordinho,
De uma só vez e sem olhar.
É remédio soberano para a dispepsia.

Friedrich Nietzsche, in "A Gaia Ciência"

A Minha Felicidade

Depois de estar cansado de procurar
Aprendi a encontrar.
Depois de um vento me ter feito frente
Navego com todos os ventos.

Friedrich Nietzsche, in "A Gaia Ciência"

Modo Classic Rock

2010-12-08T02:37:00.000-08:00

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Música de intervenção, sátira social e uma espécie de último legado, tudo reunido numa irónica “oração” cantada pela voz imortal de Janis Joplin: “Senhor, não me compras um Mercedes Benz?( …)”

Texto de Maria Coutinho

Não é fácil cantar sem música de fundo ou de acompanhamento; mais difícil ainda é soar bem à primeira. Mas foi isto mesmo que a diva do rock dos anos 60 fez com “Mercedes Benz”: pegou nas palavras de Michael McLure e, com uma única sessão de gravação (um só take), deixou-nos aquele que viria a tornar-se no seu êxito mais conhecido.

Poeta, ensaísta e autor de peças para teatro, McLure merece aqui uma nota especial, já que é um nome importante na cultura da época. É um dos mais importantes poetas da geração Beat, na companhia de outros grandes como Allen Ginsberg e Jack kerouac. Mais tarde transita para o movimento contra-cultural Hippie que deu cor e uma nova luz aos anos 60 e 70, chegando a ser conhecido como o “príncipe da cena de S Francisco”, esse “tubo de ensaio” urbano onde fermentavam as ideias revolucionárias da geração das flores no cabelo e ideais de paz e fraternidade no coração.

Mc Lure é um grande apologista da consciência natural do animal-Homem, e Mercedes Benz uma crítica inequívoca ao Homem-materialista do século XX. Janis partilhava deste ponto de vista. Ouvimo-la dizer expressamente no inicio da gravação: “Gostaria de fazer uma canção de grande teor social e político”. Está tudo lá, basta ouvir as palavras que compõem a letra – a ideia subjacente é a de que demasiadas pessoas apenas vêem a sua felicidade nos bens materiais que conseguem obter: um Mercedes Benz, uma tv a cores (hoje teria escrito “um plasma”), uma noitada na cidade…

Não deixa de ser irónico que a famosa marca de automóveis tenha usado esta música para promover as suas vendas, numa infame inversão dos princípios que inspiraram o poema…

Joplin não teria tempo para ver orquestrar a canção que gravou juntamente com uma mensagem de feliz aniversário para John Lennon nesse dia 1 de Outubro de 1970. Passados três dias, vítima do seu próprio estilo de vida, e como muitos dos maiores da sua geração, a cantora tomaria a última dose de heroína, a dose fatal…

Quando Lennon ouviu os parabéns que a amiga lhe gravara, esta já o esperava naquele cantinho da Eternidade onde estão os mais sensíveis, para quem a vida é pesada demais para ser vivida sem Amor e poesia. Viria a juntar-se a ela em 1980, a 8 de Dezembro, data que o Modo Classic Rock celebra com tristeza neste trigésimo aniversário.

Linda Martini:Parte III

2010-12-07T04:48:00.000-08:00

Linda Martini com “Casa Ocupada”

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Com “Casa Ocupada” os Linda Martini regressam às origens,  onde, por coincidência (ou não) e embora querendo evitar qualquer comparação mais previsível com os “Sonic Youth” ou com os “Minor Threat”, nos presenteiam com uma “Juventude Sónica” e com uma “Ameaça Menor” (traduções literais dos nome daquelas bandas internacionais). 

Texto de Paula Cavaco

Isto é o que nos salta mais à vista na primeira leitura da tracklist mas o novo álbum vai muito além destas duas notórias influências. Efectivamente, é quando se coloca o CD a “rolar” que se descobre (e bastam os primeiros 15 segundos da faixa “Mulher-A-Dias”, o primeiro tema do novo álbum), em que tipo de “viagem” sonora se está a embarcar!

“Casa Ocupada” (título que roubaram de “uma casa de ‘ocupas’ que existia em Lisboa e onde se faziam vários concertos de hardcore”), constitui um longo trabalho de dois anos, que resulta, mais uma vez, em temas onde prevalecem as guitarras e a distorção. De destacar também os dois instrumentais “Elevador” e “S de Jessica”.

Com menos uma guitarra, com a saída de Sérgio Lemos, cresce a presença do vocalista (e guitarrista) André Henriques, em relação aos trabalhos anteriores. As letras voltam a ser compostas por frases breves, curtas e incisivas, algumas a várias vozes. Em termos de sonoridade, “Casa Ocupada” remete-nos para os primeiros tempos da vida dos Linda Martini mas com um som amadurecido.

O novo álbum é assim “um voltar atrás”, um retroceder ao passado, às experiências vivenciadas pelos membros dos Linda Martini na “Casa Ocupada” da Praça de Espanha, onde o espaço era preenchido unicamente pela sua música.

Os temas “Ameaça menor” e “Belarmino” (em referência ao documentário homónimo de Fernando Lopes sobre o pugilista português Belarmino Fragoso) foram os primeiros a surgir e deram o mote para o disco, que acaba por ser menos intimista que, por exemplo, “Marsupial”. Depois seguiu o terceiro single “Mulher-a-dias”.

Em termos de aceitação por parte do grande público, quatro semanas bastaram para que este novo trabalho tomasse de “assalto” o top de vendas e da mesma forma como, em 2006, fosse aclamado como “Disco Português 2010” pela revista Blitz.

Quanto a expectativas sobre o futuro, os membros dos Linda Martini são peremptórios em afirmar que esperam lançar o disco após o próximo Verão, fazer concertos, uns vídeos, umas entrevistas, umas viagens de carrinha ao fim de semana e ocupar a cabeça com coisas boas. Ou seja, continuar a serem eles próprios na sua melhor vivência do espírito punk!

Abrindo apetites:

Linda Martini:Parte II

2010-12-07T04:40:00.000-08:00

O salto em " Olhos de Mongol"

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Lançado em Outubro de 2006, "Olhos de Mongol" foi disponibilizado, em primeira mão, no myspace da banda, com a apresentação do single "Cronógrafo", o qual se transforma num verdadeiro fenómeno, ao ser escutado, só na primeira semana, por mais de cinco mil pessoas.

Texto de Paula Cavaco

Isto fazia antever o que, de facto aconteceu a seguir: a aclamação do álbum, que aparece directamente nos primeiros lugares do top de vendas nacionais e, posteriormente, votado como “Melhor Álbum de 2006” e também “Álbum português da Década”, pela revista Blitz.

Em termos de registo sonoro, "Olhos de Mongol" caracteriza-se, segundo a crítica, por um “afastamento” do registo inicialmente apresentado pelos Linda Martini na sua maquete de estreia, com uma sonoridade mais rock.

“Marsupial", o segundo EP, é lançado pelos Linda Martini em Abril de 2009 e inclui seis temas inéditos gravados por Makoto Yagyu (músico que anteriormente já tinha colaborado em vários projectos paralelos dos membros dos Linda Martini) e masterizados por Santi Garcia.

Em Setembro de 2009, e já durante a preparação do seu novo álbum, a banda é convidada por Henrique Amaro, locutor da Antena 3 e grande divulgador de novas bandas portuguesas, para fazer um “Intervalo”. O convite resulta num EP composto por 5 temas, gravados ao vivo durante a actuação da banda no Optimus Alive. Segundo os membros, este trabalho “representou um intervalo de excessos que nem a usura das semanas de trabalho das nove às seis os impediu de gozar."

Linda Martini:Parte I

2010-12-07T03:45:00.000-08:00

Linda Martini e regresso às origens

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No início apregoaram um “Amor Combate”, levando até os ouvidos mais incautos a fazer dele um hino para as suas vidas. Depois veio um “Intervalo” e hoje têm uma “Casa Ocupada” pronta a estrear. Falamos dos Linda Martini, uma banda que tem vindo a demarcar-se cada vez mais no panorama musical português. E com eles aproveitamos assim para estrear também a nova rubrica “Inovoluso” no Som à Letra.

Texto de Paula Cavaco

Irreverentes, imprevisíveis, despreocupados e movidos pelo puro prazer de fazer música e de a tocar ao vivo, assim se pode descrever os Linda Martini, uma banda “tuga” que deve o seu nome a uma estudante italiana “com muita pinta”.

O quarteto lisboeta (que já foi quinteto), composto por André Henriques (guitarra e voz), Pedro Geraldes (guitarra), Hélio Morais (bateria) e Cláudia Guerreiro (baixo), nasceu em 2003, depois de os seus membros terem passado por projectos anteriores de punk e hard-core. Aliás, essas experiências passadas transparecem na sonoridade e na própria atitude dos elementos da banda.

Contudo, os Linda Martini insistem em não quer ser “rotulados” como banda pós-rock ou rock experimental, garantindo que procuram um estilo muito próprio, sem associações a nenhum outro grupo.

Então, como descrever o som feito pelos Linda Martini? Falamos de instrumentais de grande qualidade, cheios de guitarras e distorção, com crescendos e explosões sonoras, tudo isto aliado a letras totalmente na língua de Camões, facto que, segundo os membros, aconteceu por acaso.

Os Linda Martini estrearam-se, em 2005, com o lançamento de uma maquete caseira de quatro temas. "Este Mar", "Amor Combate", "Efémera" e "Lição de Voo nº 1" são tocados inicialmente em pequenos concertos e colocados online no myspace da banda, chamando desta forma a atenção da, então recém-criada, editora Naked.

O reconhecimento com “Amor Combate”

"Amor Combate" transforma-se rapidamente na música que toda a gente fala, especialmente devido ao registo sonoro nada habitual e completamente fora do chamado mainstream tocado pelas estações de rádio.

A banda sai do anonimato e é lançada para o frenético rebuliço que obriga ao lançamento do primeiro EP. Assim surge o “Linda Martini” composto pelos quatro temas da maquete de estreia remasterizados por Niels Kinsela, baixista dos "God is an Astronaut" (GIAA), banda representada em Portugal pela Naked. Mas a "sede" de quem ouve torna cada vez mais urgente a gravação de um primeiro álbum.

2006 é sem dúvida o ano de viragem para a banda portuguesa que, aproveitando a parceria com os GIAA, embarca numa viagem além fronteiras como supporting act nos concertos da banda irlandesa e que os coloca em palcos como Dublin, Waterford e Londres.

A consolidação em termos nacionais faz-se através das actuações nos festivais Super Bock Super Rock e Sudoeste, participações estas que aumentam ainda mais as expectativas em relação ao álbum de estreia que haveria de acontecer, no final de 2006.

De "Amor Combate" para "Olhos de Mongol", com direito a "Intervalo" para uma "Casa Ocupada" tem sido construído o caminho ascendente dos Linda Martini.

Broken Social Scene – de Toronto para o mundo

2010-12-07T03:28:00.000-08:00

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Experimentalismo, uma pitada de pop e uma dose de indie constituem os Broken Social Scene , grupo esta semana em modo pop.

Texto de Susana Terra

Os Broken Social Scene emergem na criativa cidade de Toronto, berço do movimento indie canadiano que agrega nomes como Death from Above 1979, Arcade Fire, Wolf Parade, entre outras.

Formados em 1999 por Kevin Drew e Brendan Canning, a que se juntaram Leslie Feist, Evan Cranley, Andrew Whiteman e Justin Peroff, só em 2001 os Broken Social Scene editam o seu primeiro álbum – “Feel Good Lost”. Dois anos passados, durante a gravação do segundo disco “You Forgot It In People” (2003) a banda cresce (literalmente…) ao integrar mais seis elementos.

Tendo adoptado esse formato de “big band”, com uma formação flutuante que por vezes ultrapassa a dezena de músicos em palco, os Broken Social Scene apresentam sonoridades latas – experimentalismo q.b., algum shoegaze, uma pitada de pop e uma boa dose indie e teremos a receita do sucesso da banda. Parte da receita assenta, claro está, na diversidade de artistas e participações de vários músicos oriundos de projectos como Feist, Pavement, Death from Above 1979, etc.

Foi com "You Forgot It In People" que os Broken Social Scene conquistaram o Juno Award de Melhor Disco Alternativo do ano. Seguiu-se o álbum de estúdio homónimo em 2005, que consolida o papel e importância dos Broken Social Scene no panorama alternativo actual e só cinco anos mais tarde é gravado o seu sucessor "Forgiveness Rock Record" (2010), em jeito de pedido de desculpas formal aos fãs pelo prolongado interregno. Ainda assim, em 2007 e 2008 dois dos membros fundadores (Kevin Drew e Brendan Canning) lançam os seus álbuns a solo sob a égide "Broken Social Scene Presents...".

No passado mês de Novembro os Broken Social Scene estiveram em Lisboa e no Porto para apresentar o seu mais recente álbum de originais. E quem lá esteve em nada se arrependeu.

Abrindo apetites:

Espaço "The Indies": Um Arraial, Duas Gerações, Três Bandas!

2010-12-06T04:45:00.000-08:00

Diabo na Cruz

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Texto de Bruno Vieira

Há cerca de dois meses assisti à 16ª Edição do Arraial do Caloiro do Técnico. O cartaz era prometedor com as actuações previstas de Os Pontos Negros, Blind Zero e Diabo na Cruz. O preço do bilhete também era convidativo, 11€.

O palco montado dentro do recinto do Instituto Superior Técnico estava de costas para a Alameda, sendo um espaço privilegiado para um evento desta natureza. O cenário era semelhante ao de qualquer festival de Verão, em versão reduzida, com as mini-roulotes de imperial em número considerável dispostas lateralmente e de forma estratégica a envolverem o público.

O espaço para os WC também estava bem organizado, como convém, dado prever-se ser muito concorrido com o avançar da noite. O público maioritariamente na faixa etária dos 18/25 anos (com algumas excepções) foi timidamente aparecendo, se por volta das 21h o recinto ainda tinha um aspecto desolador, aquando da actuação de Os Pontos Negros já estava mais composto. Quando Jorge Cruz subiu ao palco o recinto estava praticamente lotado.

Mas vamos ao que interessa, ou seja, falar do que se passou nessa noite e da relação entre público e bandas. Sendo à partida um cartaz interessante, já que tínhamos uma banda muito respeitada do rock nacional dos Anos 90 e que ainda hoje dá cartas (os Blind Zero) embora longe dos seus tempos áureos, mais duas bandas do novo rock português: Os Pontos Negros e Diabo na Cruz.

Os Pontos Negros trabalham numa linha indie ao estilo The Strokes que lhes tem garantido um relativo sucesso, já o projecto de Jorge Cruz (que conta com a colaboração de B-Fachada) a apostar numa fusão de rock pujante (sem ser pesado) com sons tradicionais portugueses, quer a nível instrumental, quer vocal.

Depois da curta actuação da TUIST (a Tuna do Técnico) pontuada por algumas piadas secas mas que naquele contexto acabaram por soar às melhores anedotas do mundo, subiram ao palco Os Pontos Negros.

A banda de Queluz cumpriu e apesar de no início haver algum espaço entre o público, no final do concerto já o ambiente estava bem mais animado.

Não sendo propriamente inovadores , mas em linha com a cena indie, apercebi-me que a malta nova conhece as principais músicas da banda, mas não muito mais, o que está de acordo com a popularidade da mesma.

O crescendo de entusiasmo ao longo da actuação de Os Pontos Negros de certa forma quebrou com o concerto dos Blind Zero. O facto da banda de Miguel Guedes ser uma das mais prestigiadas bandas nacionais dos Anos 90, não garante muita popularidade entre a geração actual dos 18/25 anos.

A malta nova parecia de certa forma indiferente à actuação da banda do Porto, com excepção para um ou outro clássico e para o último single Snow Girl. O próprio Miguel Guedes apercebendo-se disso, no final da sua actuação e de forma respeitosa ao despedir-se do público cumprimentou as outras bandas presentes, afirmando qualquer coisa do género: “provavelmente Os Pontos Negros e Diabo na Cruz irão proporcionar-vos uma noite mais animada com riffs de guitarra”.

Foram estas palavras que me levaram a escrever esta crónica dado serem bastante elucidativas dos tempos actuais e do tipo de rock que se tem vindo a praticar nos últimos anos, mas também a consciência do que se foi, do que se é, e de onde se está.

Miguel Guedes sabe perfeitamente o lugar que ocupa na música portuguesa e o facto de reconhecer, sem nostalgia ou saudosismo, que os tempos são outros, em nada belisca o seu talento enquanto músico.

Finalmente temos os Diabo na Cruz, last but not least da noite.

Aquando da subida de Jorge Cruz e comparsas ao palco, já uma pequena multidão se lhes apresentava à frente. Era preciso animar a malta e os Diabo na Cruz fizeram-no na perfeição. Foram a banda ideal para um final de noite perfeito que incendiou quase todos os presentes na praça da entrada principal do Técnico.

A noite já ia longa e com muita cerveja à mistura não foi difícil levar o público ao rubro. Mas não se pode dizer que foi apenas mérito da cerveja. Jorge Cruz foi hábil nas palavras e soube muito bem como contagiar o público. Os Diabo na Cruz fazem um som pujante que funciona muito bem ao vivo.

Se pensarmos na fusão da música tradicional portuguesa com a música moderna de que Variações foi mestre no seu tempo, mas agora em versão rock mais desgarrado, então temos os Diabo na Cruz. A noite foi deles. Um sinal dos tempos…

Vídeo do mês

2010-12-04T07:42:00.000-08:00

“Sledgehammer” de Peter Gabriel

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Corria o ano de 1986, quando o vídeo de “Sledgehammer” começou a rodar incessantemente na MTV. A causa prendia-se com o facto de ser um dos mais criativos à época, estabelecendo um novo padrão para a indústria de videoclipes, assente em animação e diversos efeitos especiais. 

Texto de Carmen Gonçalves

A realização ficou a cargo de Steve Jordan, recorrendo à técnica de animação stop-motion, ou seja, numa combinação de sequências de vários takes estáticos, com menos de um segundo de duração cada. O resultado traduziu-se num dos melhores vídeos de sempre, em que o cariz sexual da letra sobressai ao olharmos para as imagens fálicas que a acompanham: o comboio a vapor, o avião de papel, a montanha russa (Big Dipper).

Se dúvidas existissem quanto à temática da música, os momentos iniciais do vídeo dissipam-nas, com imagens de espermatozóides ampliados. É sobre sexo. Sobre o acto sexual, metaforicamente retratado desta forma: “Show me round your fruitcage / ‘Cos I Will be your honey bee / Open up your fruitcage / Where the fruit is as sweet as can be”.

1986 ficou marcado como o ano em que Peter Gabriel reinventou o sexo, a forma como é abordado, pensado e musicalizado em formato de animação.

E o sucesso foi tão grande que “Sledgehammer”, em 1987, viria a ser nomeado em dez categorias diferentes para os MTV Music Awards, tendo arrecadado nove prémios. E ainda hoje é considerado um dos melhores vídeos de sempre, tendo a mesma estação televisiva o colocado em terceiro lugar no ranking dos cem melhores videoclipes.

Confira o vídeo:

Confira a letra da música:

You could have a steam train
If you'd just lay down your tracks
You could have an aeroplane flying
If you bring your blue sky back

All you do is call me
I'll be anything you need

You could have a big dipper
Going up and down, all around the bends
You could have a bumper car, bumping
This amusement never ends

I want to be your sledgehammer
Why don't you call my name
Oh let me be your sledgehammer
This will be my testimony
Show me round your fruitcage
'cos I will be your honey bee
Open up your fruitcage
Where the fruit is as sweet as can be

I want to be your sledgehammer
Why don't you call my name
You'd better call the sledgehammer
Put your mind at rest
I'm going to be-the sledgehammer
This can be my testimony
I'm your sledgehammer
Let there be no doubt about it

Sledge sledge sledgehammer

I've kicked the habit
Shed my skin
This is the new stuff
I go dancing in, we go dancing in
Oh won't you show for me
And I will show for you
Show for me, I will show for you
Yea, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, I do mean you
Only you
You've been coming through
Going to build that power
Build, build up that power, hey
I've been feeding the rhythm
I've been feeding the rhythm
Going to feel that power, build in you
Come on, come on, help me do
Yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, yeah, you
I've been feeding the rhythm
I've been feeding the rhythm
It's what we're doing, doing
All day and night

Editorial

2010-12-03T00:33:00.000-08:00

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"Solte-se e será muito mais do que jamais sonhou ser"

Janis Joplin

Não poderia estar mais de acordo com esta frase de Janis Joplin. Uma mulher que viveu nos extremos ao ritmo dos blues e da beat generation. O problema foi a ausência de limites nessa louca entrega à vida. Para trás fica a musica, o blues, a dedicação , a entrega e a juventude eternizada de Joplin na nossa memória. Tal como aconteceu com Jim Morrison e Jimi Hendrix.

Quarenta anos depois da sua morte ,Janis continua a inspirar muitos jovens e a colorir um conjunto de momentos das nossas vidas. Ninguém pode negar a boa disposição de Mercedes Benz , ou a intensidade da icónica Piece of my heart. Cada música, uma parte de Janis. "Nunca fui capaz de controlar os meus sentimentos, mantê-los lá dentro. Antes, isso estragava a minha vida, sempre fui uma vítima de mim mesma. Fazia coisas erradas, fugia, ficava maluca. Agora faço esse sentimento trabalhar para mim, através da música, sem destruição", explicava a cantora. E com toda a razão. Os nossos ouvidos agradecem.

A edição do Som à Letra em Dezembro é dedicada a esta grande senhora. Vamos revisitar canções em particular e reflectir sobre o enorme contributo da cantora para a história da música. Ainda temos tempo de fazer uma visita a Andy Warhol (foto da semana), Zappa, Peter Gabriel (vídeo do mês) , assim como para a estreia da nossa agenda cultural (agora todos os meses na barra lateral direita do nosso ainda blogspot).

Mas as novidades do mês não terminam por aqui. Temos ainda tempo para andar "10000 anos depois entre Vénus e Marte" , ao comando de José Cid, num grande álbum em que o rock progressivo é o mestre. Estreamos o "Inovaluso", espaço dedicado aos talentos emergentes na língua de Camões , e continuamos a evoluir a nossa versão em PDF. Temos um novo cronista, o radialista António Jorge , que a partir de agora todos os meses envia um mail para o Som à Letra sobre os acontecimentos marcantes na musica , com especial enfoque no som nacional.

Não esquecer a escolha dos álbuns e canções marcantes do ano, terminando 2010 com uma mudança de "casa", fase dois antes do nosso site. Muito trabalho pela frente, mas cada vez mais perto do desenlace.

Obrigada a todos por acreditarem no Som à Letra. É caso para dizer :"Caminante no hay camino, se hace camino al andar". E continuamos em 2011!

Irene Leite
Directora do Ciberjornal Som à Letra

Grizzly bear na Dança do Som

2010-12-03T00:27:00.000-08:00

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Seis anos de trabalho para os Grizzly Bear e “Two weeks” para os aplausos do grande público. Eles vieram para ficar, garante o mais recente trabalho do grupo, “Vechatimest”…. e nós também. Aprovado!

Texto de Ana Luísa Silva

São conhecidos como a nova “cena” Indie de Nova Iorque. Contam com seis anos no “BI” e dois álbuns na bagagem. Todos os elementos têm bases musicais e se no início a banda se iria resumir a um elemento, o destino deu a volta e juntaram-se mais três. Assim nasceram os Grizzly Bear.

A chegada desta banda à consciência musical da pop foi como que uma surpresa, pois ocorreu não entre álbuns (como seria de esperar) mas sim entre LPs e aberturas de espectáculos a bandas como TV On The Radio (em 2006), Feist (em 2007) e Radiohead (2008).

Foi nesse mesmo ano, o de 2008 que tocaram com Paul Simon e foram presença em talk-shows americanos como Letterman, Conan e Craig Ferguson.

Tal como “Yellow House” o primeiro álbum da banda, também “Vechatimest” (lançado no ano passado) está a ajudar os Grizzly Bear a darem um salto nas suas carreiras. Considerado o álbum mais glorioso do grupo este é o ideal para quem gosta de pequenos detalhes melódicos.

Aquando do lançamento de “Vechatimest” não eram só os Bear que estavam bastante felizes com o acontecimento. A imprensa, audiência e críticos ficaram bastante surpresos com a sinfonia.

Confira:

Opinião: Histórias recambolescas da Go Graal Blues Band

2010-12-02T02:07:00.000-08:00

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A Go Graal Blues Band formou-se no final da década de 1970 e era um grupo que começou por tocar apenas Blues.

Foi uma das bandas por onde passaram mais músicos, já que não conseguia estabilizar a sua formação. Entre outros passaram por esta banda nomes como Paulo Gonzo, Mário Pereira, Hippo Birdie, João Melo, José Carlos Cordeiro, João Allain, António Ferro e Tó Andrade.Este último conta que houve uma série de episódios rocambolescos, relacionados com concertos da Go Graal Blues Band.

Entre esses episódios mais caricatos conta-se o que se passou quando o camião que transportava o material de som da banda ficou preso num túnel. O condutor do camião não teve a devida cautela e aventurou-se a atravessar o túnel. Como a altura do camião era a mesma do túnel, este ficou entalado e não andava, nem para a frente nem para trás. Demorou um bom bocado para conseguirem resolver a situação.

O camião transportava, também, o “backline” da banda, o que poderia fazer com que não houvesse tempo para tudo estar pronto na hora de iniciar o concerto. Alguém teve a ideia de carregar o camião com tudo o que puderam, para o mesmo se poder movimentar. Felizmente, o concerto não foi adiado.

Outro episódio, também deveras caricato, aconteceu perto de Coimbra, quando o concerto da Go Graal foi interrompido, já que um elemento da organização entrou em palco com uma travessa que continha um leitão assado, vinho tinto e um pacote de batatas fritas. Paulo Gonzo, que era o vocalista, só ouviu o senhor da organização pedir: “ Ó amigo, agora fazem um intervalinho, para eu leiloar estas coisinhas…”

Já em S. Jorge da Beira, no concelho da Covilhã, o problema era que o camião não conseguia encostar ao palco para se poder descarregar o material. Teve que se recorrer a diversos tractores agrícolas com reboque, para que o equipamento fosse montado no palco (imagine-se, portanto, o local onde o palco estaria instalado).

Houve também espectáculos interrompidos, em diversas localidades por onde a Go Graal passou, para que a procissão com a imagem da padroeira passasse junto ao palco.

Por Aristides Duarte

Para recordar:

Sin city na Máquina do Tempo

2010-12-02T01:54:00.000-08:00

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Baseado na novela gráfica homónima de Frank Miller, Sin City é um filme perfeito no que à sua génese é importante: ser uma completa transladação dos contos presentes na fonte. Mas será que este pressuposto significa que estamos perante uma grande obra?

Texto de Miguel Ribeiro

Realizado por Robert Rodriguez e Frank Miller, Sin City contou também com a participação especial de Quentin Tarantino, assim como uma lista estelar de actores como Bruce Willis, Mickey Rourke, Clive Owen, Benicío Del Toro, Jessica Alba, Rosario Dawson, entre outros.

Baseado em três contos presentes na novela gráfica, “The Hard Good-Bye” , “The Big Fat Kill” e “That Yellow Bastard” a película contou ainda com um pequeno conto de nome “The Customer is Always Right” que serviu de prólogo e epilogo ao filme.

Claramente inspirado em filmes como Pulp Fiction no que toca à montagem, cada sequência conta com uma personagem máscula, com o objectivo de proteger ou vingar alguém, sempre seguido pela narração voz-off, personagens questionando-se sobre a sua força ou capacidade de continuar, com algumas tiradas ligadas ao humor negro, e violência extremamente estilizada, tipíco do próprio autor Frank Miller.

A palavra cool está presente em todos os planos e pequenas nuances dadas, tanto pelos actores, através da actuação e da narração, como pela montagem do filme. Os close-ups às faces das personagens acentuando uma frase ou uma voz-off, o fumo saindo do cigarro, os olhares das personagens, a violência e as mulheres com os seus corpos perfeitos e curvilíneos ajudam a compor um cenário intenso. A atmosfera está credível , a imagem e o estilo são realmente reis nesta obra literalmente trazendo à vida a novela gráfica do mesmo nome.

Robert Rodriguez quis criar uma transladação da novela gráfica e não uma adaptação. Podemos discutir se existe alguma redenção nas personagens de Hartigan (Bruce Willis) e Marv (Mickey Rourke), mas o foco principal do filme são as estórias, embrulhadas num trabalho visual de primeira categoria, com personagens cliché e cartoonescas, claramente inspiradas pelo ”film noir” e pelo mundo das novelas gráficas , em que o objectivo é o entretenimento.

Existem filmes que já tinham explorado este estilo visual , como Pleasantville ou A Lista de Schindler , mas é em Sin City que este contraste entre o preto e branco e o uso pontual de outras cores para acentuar determinadas cenas assume total foco.

Sin City foi um dos primeiros filmes (Sky-Captain and The World of Tommorrow, Immortel, Casshern) em que se filmou toda a película sobre green-screen, usando câmaras digitais de alta-definição Sony HDC-950 e com apenas três cenários construídos “à mão”.

O resultado final impressionou muitos críticos aquando a sua saída, pela veracidade da interacção entre as personagens e o ambiente que as envolvia. Impressionante reparar que algumas cenas de acção do filme foram filmadas sem que alguns actores alguma vez se tivessem encontrado no set, como as cenas envolvendo Mickey Rourke e Elijah Wood.

Antes de terminar, o porquê de Quentin Tarantino ter filmado uma das cenas do filme, nomeadamente, a sequência do carro entre Benício Del Toro e Clive Owen. Aparentemente, Robert Rodriguez fez a banda sonora de Kill Bill: Volume 2 por apenas um dólar! Como favor, Tarantino prometeu a Rodriguez que filmaria uma cena do seu próximo filme também por apenas um dólar. Tarantino ficou contente com o resultado e foi a primeira vez que filmou totalmente em digital, visto que é um acérrimo defensor do uso da película sobre o digital.

Existem imensas críticas díspares sobre esta obra de Rodriguez. Ela reflecte, em grande parte, uma nova geração de ver cinema, em que a violência já não impressiona muito, mas em que também a própria audiência já aprendeu a não a levar muito a sério, quando esta é obviamente ficional e apresentada numa tela a duas dimensões.

Aqui temos uma grande obra é verdade, mas porque o que se decidiu fazer desde o início foi atingido em todos os níveis, alcançando as expectativas que se tinham sobre o filme. Poderemos discutir se faz parte de um post-noir ou discutir a embalagem e a integridade intelectual da escrita presente.

Mas qualquer discussão à volta dos méritos e deméritos do filme (não os encontro a não ser os habituais erros de continuidade, e outros erros pontuais, normais numa película) irá esbarrar contra a parede que é esta obra, contaminada por uma experiência visual ímpar, e uma estória que consegue entreter a todos os níveis. O que mais se pode querer de um filme de entretenimento?

Confira o trailer do filme:

Opinião: "You got mail"

2010-12-01T07:19:00.000-08:00

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O mês de Novembro começou e termina definitivamente em alta.

A prestigiada e lendária Count Basie Orquestra , que nas décadas de cinquenta e sessenta gravou três álbuns com Frank Sinatra, aceitou o desafio de Carlos do Carmo para que, juntos recriassem algum do fabuloso repertório popularizado por “The Voice”.A mágica noite aconteceu no passado dia 10 de Novembro em Lisboa e diz quem lá esteve: que foi um daqueles espectáculos que se assiste uma vez na vida. Está de parabéns Carlos do Carmo, nosso “A Voz”.

Também com razões para celebrar está Rui Veloso que vinte anos depois vê reeditado “ Mingus & os Samurais “, um dos mais marcantes álbuns da sua carreira e sem dúvida um dos mais influentes da música portuguesa dos últimos 30 anos. Na versão 2010, remasterizada, ”Mingus...” traz um filme de um concerto no Coliseu de Lisboa em 1990. O apagar das velas fez-se com quatro noites nos Coliseus nacionais com Rui Veloso e os Samurais originais, a recriarem o platinado duplo álbum em palco.

Chama-se “You Make me Real”, versão inglesa de “ Contigo torno-me real”, livro à volta dos míticos The Doors, da autoria do português Rui Pedro Silva e que foi apresentado no passado mês de Novembro, na Universidade da California (UCLA), em Los Angeles. O livro, já premiado em 2008 no Festival do Livro de Londres é um trabalho extenso e pormenorizado, que conta com participações entre outros, de Ray Manzareck(teclista e co-fundador da banda), Robby Krieger (guitarrista)e também o baterista John Densmore. ”You make me Real”, conta ainda com colaborações de Jerry Hoppkins e Danny Sugerman, biógrafos oficias dos Doors e autores do livro “ daqui Ninguém Sai Vivo “.

Rui Pedro Silva apresentou o livro no Royce Hall, local considerado mágico no interior da prestigiada Universidade, porque foi ali que por exemplo, o então jovem estudante de cinema Ray Manzareck apresentou as suas curtas-metragens a um público onde estavam entre outros, Jim Morrison e FrancisFord Coppola. Éneste auditório que se pode ler numa placa: aqui os The Doors deram os seus primeiros concertos. “You Make me Real” é para além de um excelente documento, um fantástico exemplo de dedicação do seu autor aos The Doors.Parabéns Rui Pedro!

Duas notas finais: os norte-americanos The Walkmem, que chamaram “Lisbon” ao novo álbum, escreveram no Twitter da banda que o espectáculo no Coliseu de Lisboa, (dia 14 de Novembro, 2010) terá sido com toda a certeza o melhor de sempre e a mais popular Rede-Social do Planeta, o FaceBook chegou ao número 600 milhões de perfis. É caso para dizer – We need To Talk!

Na expectativa – as cordas em vez dos sintetizadores, no novo álbum dos Daft Punk e a nova digressão de Amy Winehouse agendada para Janeiro de 2011

Por AJorje

Cream no Modo Classic Rock

2010-12-01T04:07:00.000-08:00

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Numa estação de comboios inglesa um poeta influenciado por drogas (talvez LSD) escreve frases aparentemente desconexas… No final, formam um belíssimo poema. White Room é a música que o recebe, e torna-se num dos maiores êxitos da super-banda inglesa conhecida pelo nome de Cream.

Texto de Maria Coutinho

Para quem viveu a fase psicadélica da década de 60 é impossível esquecer a banda onde Eric Clapton fazia as primeiras experiências de distorção da guitarra com o (agora) famoso pedal wah-wah. Além de Clapton, a banda era composta por Jack Bruce no baixo e voz, e Ginger Baker na bateria: todos reputados virtuosos nas respectivas especialidades.

White Room é um dos dos singles que integram o álbum Weels Of Fire, um marco na história desta banda, e até na história do rock, já que nunca antes uma álbum duplo tinha chegado à marca da platina pelas suas vendas. Lançado em 1968, consegue a proeza de chegar ao terceiro lugar na tabela britânica e ao primeiro da americana. Um feito extraordinário, sobretudo tendo em conta que também foi lançada uma edição separada dos dois discos: Wheels Of Fire In The Studio e Weels Of Fire Live at The Fillmore (mítica casa de espectáculos de San Francisco onde actuaram nomes tão importantes como Jimi Hendrix, The Doors ou Pink Floyd).

A letra da música é da autoria de Pete Brown, poeta britânico, que aqui fazia de letrista para as composições da banda. Os seus poemas, combinados com a música de múltiplas influências, do jazz ao rock psicadélico, resultam num movimento estético e musical - uma mistura de rock, blues e hard-rock - que constitui um embrião que mais tarde irá evoluir, dando origem ao rock progressivo e ao heavy metal.

O legado dos Cream com White Room é visível, por exemplo, nas muitas versões da música que o público pode conhecer: Stranglers, com uma perspectiva pós-punk, Helloweeen e Iron Butterfly num registo mais heavy ou Ringo Starr and The All Starr Band num enfoque mais clássico, são apenas alguns dos nomes que fizeram questão de partilhar connosco a sua interpretação deste clássico.

E não há dúvida quanto ao facto de este ser mesmo um clássico entre os clássicos: nenhuma crítica lhe ficou indiferente. Muito elogiado, embora alguns lhe apontem o dedo por esperarem algo radicalmente diferente dos anteriores trabalhos da banda, mencionando White Room como uma espécie de sucessor do tema Tales of Brave Ulysses. Tal não impediu, no entanto, a revista Rolling Stone de incluir Wheels Of Fire na lista dos 500 melhores álbuns de sempre, e o canal VH1 de classificar os Cream como a 16ª melhor banda de hard rock de sempre…

Razões de sobra para lembrarmos os enormes Cream, que bem mereciam ser melhor recordados e conhecidos pelas gerações mais jovens. Agora que já leu…. Não tem vontade de ouvir?

Dá que pensar...

2010-11-30T05:39:00.000-08:00

Picasso

Amor Imperfeito

De cruz e fogo no peito

De um amor imperfeito

Esqueço a existência

De um novo dia.

Perdi a minha voz

Esganada pelos nós

Da certeza de saber

Que fiquei sem ti um dia.

À luz morta de um candeeiro

Surge o reflexo no cinzeiro

Do meu rosto desfeito;

Cinza cobre o meu coração

Destroçado pela traição

De um amor que pensei ser perfeito

Tiago A.F.Mota

Modo Pop

2010-11-30T04:41:00.000-08:00

Human league com “Don´t you want me baby”

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Esta semana o Modo Pop promete novamente uma viagem aos anos oitenta. No início desta década o êxito dos Human League, “Don’t you Want Me?” estoirava nas rádios. Com a ajuda da MTV (que na altura passava principalmente vídeos de bandas britânicas), alcançou bastante sucesso nos Estados Unidos da América. E porquê?

Texto de Júlia Rocha

Antes de mais, as apresentações. Os Human League são um grupo britânico, que trabalha o synthpop. A New Wave é o seu território chave. Tiveram grande sucesso na década de 80 e mais tarde reuniram-se nos anos 90. Nesta nova fase, Phil Oakley foi o único membro original a permanecer no grupo.

A música é sobre um homem, que conhece uma empregada de mesa e, apaixonado, decide torná-la numa estrela. Mas este amor não dura para sempre. O vocalista Phil Oakley declarou, na altura, que esta não é uma balada romântica, mas sim uma música acerca das polaridades de uma relação, das relações sociais, e até políticas que se podem estabelecer entre duas pessoas.

“Don’t You Want Me?” é um single do álbum “Dare” de 1981. Phil Oakley foi o compositor. Segundo o cantor, a inspiração surgiu depois de ter lido uma história semelhante num tablóide. Originalmente seria um solo masculino, mas Oakley concebeu-a como um diálogo entre um homem e uma mulher. Neste caso o papel da mulher foi para uma das integrantes femininas da banda: Susan Anne Sulley. Foi a primeira vez na história da banda que uma das integrantes foi usada para “lead singer”.

O vídeo é bastante icónico. Foi filmado numa película de 35 mm, numa noite fria de Inverno. As roupas dão a garantia de estarmos nos anos 80, assim como os cenários, contribuindo sem dúvida, para a unicidade do vídeo. Foi lançado em Dezembro de 1981, sendo o mais vendido no Reino Unido nesse ano. Foi também o primeiro grande sucesso da editora Virgin de Richard Branson.

Nesta altura, os videoclips começavam a formar uma cultura independente e “Don’t You Want Me?” contribuiu para isso mesmo. O reconhecível refrão é ainda hoje reconhecido e cantado por muitos: “Dont you want me, baby? Oooooooh…”.

Confira e viaje no tempo:

Human League - Don't You Want Me
Enviado por hushhush112. - Clipes, entrevista dos artistas, shows e muito mais.

Edição o do Som à Letra em PDF

2010-11-29T06:00:00.001-08:00

Open publication - Free publishing - More redes sociais

We "got mail" em Dezembro

2010-11-29T05:11:00.000-08:00

A partir desta quarta-feira (e todos os meses) , 1 de Dezembro, temos mail garantido no Som à Letra. O mote é lançado por António Jorge, radialista que actualmente desempenha funções de coordenador musical na Renascença, canal onde também é autor de um programa semanal, " Hotel California ", e de algumas rubricas. António Jorge também é produtor musical e voz off do Top Mais, programa na RTP1. Já esteve vários anos na RFM, mas também passou por algumas rádios , como a Voxx, a Oxigénio e a Radar.

Quanto ao nosso novo espaço de opinião ,"num mundo em que a informação chega e parte entre toques de telemóveis, refeições rápidas, abrir e fechar de menus, reuniões, frequências e formações e jogos de consolas , a ideia desta crónica é realçar mensalmente, alguns acontecimentos relevantes neste admirável mundo da música. E sim, sempre com uma atenção particular para o mercado nacional, óbvio", explicou António Jorge. Já só faltam dois dias!

Luso Vintage

2010-11-29T03:32:00.000-08:00

Mão Morta: de Budapeste sempre a rock & rollar

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Corria o ano de 1984 quando Joaquim Pinto, Miguel Pedro e Adolfo Luxúria Canibal fundam os Mão Morta. Existe uma estória, chamemos-lhe o “mito fundador” da banda, daquelas narrativas algo nebulosas nas quais dificilmente se destrinça a verdade da mentira...

Texto de Susana Terra

Diz-se que Joaquim Pinto se encontrou com o baixista dos norte-americanos “Swans” em Berlim e este terá comentado o facto de Pinto ter cara de baixista. Pouco tempo depois Pinto compra um baixo e surgem os Mão Morta, em Braga, a cidade nortenha altamente religiosa, conservadora, fechada hermeticamente sobre tradicionalismos , mas com grande vigor e experimentação artística em 1980’s.

Já no início dos anos 80 Adolfo Luxúria Canibal integrava o circuito artístico bracarense, nomeadamente numa multiplicidade e diversidade de formas de expressão artística – do som dos berbequins e teares aos ruídos de comboios, da dança ao teatro e à mímica. Salientam-se neste período os projectos AuAuFeioMau e PVT Industrial.

"Uma garganta funda que liberta bílis às golfadas"

Em 1985 dá-se a tão ansiada estreia dos Mão Morta nos palcos portugueses e é iniciada a sua ascensão meteórica na cena musical em língua de Camões. Apesar de apenas terem ganho um prémio de originalidade no III Concurso de Música Moderna do Rock Rendez Vous no ano seguinte, em 1986, o grupo já contava com uma sólida base de apoio e um crescente culto em seu torno.

A performance e o carisma de Adolfo Luxúria Canibal em muito catapultaram os Mão Morta para o estrelato no meio underground. Cito as palavras de António Pires, em relação a Adolfo Luxúria Canibal, na 110ª edição do Blitz – “Uma garganta funda que liberta bílis às golfadas, que espanca os espectadores com as palavras, que os excita e irrita, que conta histórias de sexo, de crime e de repressão”.

A partir de 1987 a banda começa a gravar – nesse mesmo ano sai a saudosa K7 “Mão Morta” e em 1993 irá editar “Mutantes S.21”, álbum de retratos de viagens por várias cidades no qual encontramos Budapeste, que Carlos Fortes num concerto apelidou de música para atrasados mentais…

Budapeste catapultou os Mão Morta para outro patamar de sucesso, teve um longo airplay na rádio e o videoclip era o mais pedido num programa de televisão de então. Contudo, a banda nunca se identificou muito neste êxito estrondoso e a fórmula não foi mais repetida.

Mais do que uma simples banda, os Mão Morta abriram portas a um novo conceito no mundo das artes interpretativas, de “Müller no Hotel Hessischer Hof” a “Maldoror”, a palavra de ordem é a reinvenção e a integração de diferentes vertentes artísticas (teatro, multimédia, literatura, etc.) ,em enriquecedor convívio com a construção de temas musicais

Apesar de tudo, Budapeste é um hino para uma geração que teve nos Mão Morta os porta-vozes da revolta, da não-aceitação de uma falsa moral vigente, do eco das dores de crescimento e das noites frias. Quem não se recorda... “Cá vou eu no meu Traby / De bar em bar a aviar / Sempre a abrir a noite toda / Sempre a rock & rollar”.

Espaço "The Indies"

2010-11-25T23:36:00.000-08:00

Boy

O primeiro álbum dos U2

Link da Imagem

Sempre achei interessante o início de carreira de bandas ou artistas consagrados, com um longo percurso percorrido, inúmeros álbuns e um estatuto que poucos atrever-se-ão a pôr em causa. Mas toda esta fama e glória faz com que a maioria do público esqueça ou desconheça o tempo em que tudo começou. Há de tudo, desde inícios fulgurantes que depois se eclipsam com o tempo a começos mais discretos que se transformam em grandes carreiras. Os irlandeses U2 são o melhor exemplo destes últimos, daí que tenha sido a banda escolhida para falar do seu primeiro álbum, Boy.

Texto de Bruno Vieira

Se há bandas que dispensam apresentação, os U2 são uma delas, já o álbum de estreia, nem tanto. E porquê?

Estando a banda irlandesa há muitos anos na primeira divisão da música, aquando do lançamento de Boy, em 1980 nada previa que se tornassem no fenómeno (não apenas musical) que são hoje. Sem pôr em causa a qualidade do álbum de estreia, do qual resultaram excelentes temas como I Will Follow, Into the Heart, Out of Control, Stories for Boys ou A Day Without Me, o que é certo é que apesar da critica favorável , não terá sido o "clique" para o sucesso imediato. O que por vezes não é o mais importante, já que inícios de carreira promissores rapidamente se esgotam em vazios criativos

.A carreira do quarteto liderado por Bono, pelo contrário, foi feita de passos seguros, culminando no mega-álbum The Joshua Tree, sete anos mais tarde. Prova de que o sucesso e o reconhecimento podem demorar... mas perduram. Voltando a Boy, estamos perante um bom registo rock, marcado ainda pela atmosfera cinzenta do post-punk, com a guitarra deThe Edge e a voz de Bono a imporem-se. Produzido pelo consagrado Steve Lillywhite (que também colaborou com nomes como Peter Gabriel, Morrisey, Big Country, Simple Minds, entre outros), Boy não conseguiu melhor do que um 52º lugar no top britânico.

O single de apresentação I Will Follow, escrito por Bono na sequência do falecimento da sua mãe, falhou a presença na tabela de vendas britânica , mas continua a ser um dos temas mais marcantes e preferidos dos fãs e o único tocado em todos os espectáculos realizados pela banda. A recordar…

Homem Tigre na "Dança do Som"

2010-11-25T23:33:00.000-08:00

"These boots are made for walking"

Link da imagem

Há músicas que passam por gerações e gerações. Outras caem no esquecimento. E ainda há aquelas que por terem tanto sucesso são reaproveitadas por inúmeros cantores. E a qual me refiro? “These Boots are made for Walking”. Essa mesmo. Nasceu com Nancy Sinatra, manteve-se com Jessica Simpson e tornou-se uma mulherzinha com o one man band português. O senhor do blues. O líder da guitarra, bateria e Kazoo. Legendary Tiger Man.

Texto de Ana Luísa Silva

Explorando as margens dos blues electrificados, com uma atitude de tipo durão e com a guitarra a transbordar de soul, Paulo Furtado anda a quebrar corações de miúdos e graúdos desde 2002.
“Femina”, o novo álbum do “legendário”, assombrado alter-ego de Paulo Furtado, traz-nos esta e muitas outras músicas acompanhadas pelas mais variadas artistas femininas de todo o panorama musical internacional.

Não fosse ele um Don Juan, este álbum não documentaria os inúmeros encontros femininos que manteve. Asia Argento, Peaches, Becky Lee, Rita Redshoes, Lisa Kekaula (The Bellrays), Mafalda Nascimento, Cibelle e Maria de Medeiros foram as escolhidas. Mas acalmem-se. Com tanto mulherio no meio, o nosso Tiger Man continua a ser um one-man band como ainda não se vê por terras lusas.

Femina foi a concretização de uma serie de fantasias estéticas e Paulo Furtado caracteriza este álbum como uma ideia difusa de mulher, mas com alvos muito concretos. Muitas canções foram escritas pelo próprio e directamente para cada uma das senhoras. Contudo, há aquelas mais famosas, que foram eleitas a dedo para serem interpretadas pelas mais belas vozes femininas. E uma das escolhidas foi precisamente e portuguesa mais internacional: Maria de Medeiros.

Com um vídeo que faz lembrar o cinema antigo, a roçar no estilo de “Charlie Chaplin” a rodagem do mesmo passa-se num picadeiro onde Medeiros se passeia montada num cavalo. A sua voz de menina pequena e inocente encaixa que nem uma luva em toda a montagem feita por Furtado. A letra, essa, assume um tom desafiante quando proferida por uma das “Feminas”.

O Legendary Tiger Man está para ficar. Ele que prepare as botas. Aquelas botas que servem para ele andar sempre a caminho do bom porto.

Are you ready boots? Start walkin'!

Crítica

2010-11-25T00:42:00.000-08:00

Movimento Alternativo Rock

img in:movimentoalternativorock.com

O Mar representa o orgulho de ser português. Dele se retiram algumas das nossas maiores conquistas, grande parte da nossa história e, na sua essência, o espírito lusítano. A cultura que outrora conquistou de forma apaixonada o mundo, é hoje estigmatizada pelo imperialismo de outras. É com este trocadilho, que o MAR ( Movimento Alternativo Rock), se apresenta ao mundo. Com (e só com) a lingua de Camões na voz , o MAR renuncia qualquer agência, promotora ou editora , sendo apenas um movimento...

Texto de Tiago Queirós

O Movimento Alternativo Rock é toda uma prova de nacionalismo cultural. Em prol da língua portuguesa e da liberdade criativa do músico português que dê preferência, lá está, à sua língua.

Longe vão os tempos onde ser diferente seria cantar em inglês, e para lá caminha a ideia de que o sucesso e a qualidade prendem-se com a língua da terra de Sua Majestade... God Save the Queen, mas certamente que o futuro não ditará o mesmo.

No seu site encontra-se à disposição de forma gratuíta todo um leque de novos artistas portugueses que primem por uma certa originalidade face à música nacional (em português) mainstream , que sofre em demasia pela necessidade de responder a certos moldes editoriais. Quer ao nível de produção, quer ao nível de conteúdos. O MAR renuncia a todas essas questões e apela simplesmente a um ponto de encontro entre quem procura algo de novo em português e quem o disponibiliza.

Na sua compilação «Colectânea Subcutânea» temos bem presente um revivalismo do Rock ao estilo Garage, simples e sem espinhas, assim como podemos assistir a momentos mais experimentais e até mesmo mais populares. Tudo em português. Com todos os horizontes sem fronteiras do mundo indie. Fixem alguns destes nomes, certamente ainda vão ouvir falar deles.

Para já , temos nove bandas como alternativas à música portuguesa corriqueira do dia-a-dia. Se ainda é si próprio o que se faz no mundo do Rock Alternativo português.

No baixo sedutor dos BAR relembramos uns Clã de outros tempos, aplicando aquela satisfação de ouvir a voz da Manuela Azevedo somando uma dose açucarada na voz que escutamos. Os riffs orelhudos dos Nervo levam-nos a bater o pé e verificar um certo air-guitar espontâneo. Rock descomprometido que de certa forma relembra uma sonoridade Hard Rock ao género de Queens of the Stone Age.

Alucina, dando seguimento, são de facto alucinantes no seu ritmo bem «apunkalhado». Cheios de garra demonstram em «Lugar no Mundo», um dos picos enérgicos desta colectânea, mas «Cacos de Identidade» soa inicialmente a «Everlong» (Foo Fighters) , tornando-se num bom momento de pop-rock desmedido.

Pela mão do projecto Maçã de Prata, assistimos a uma sonoridade mais virada para um world music, com alguma preocupação em manter a magia e eficácia das suas composições na simplicidade em que as apresentam. Uma quebra o ritmo no álbum , mas sem fugir ao propósito do mesmo. Destaque para «A espia, a outra e a estranha» que mistura ritmos mais apontados para tempos de blues e de jazz dando reviravoltas de rock ao mais alto quilate.

Os BláBláBlá obrigam-nos a cair na espiral do Slide Guitar num dos melhores temas da compilação, «(Más)caras de Carne» que assim soma ao apelo de uma evolução do rock alternativo português.

Por fim, que o Amor Lança Farpas já todos sabemos, mas os ALF encaixam nesta compilação com um grande trunfo: a capacidade de transmitir uma certa atmosfera ao nível instrumental. Dando toda uma nova envolvência nos temas , que não se capta no rock mais cru dos exemplos anteriormente verificados.

A conclusão é mais do que óbvia: a música portuguesa, com especial foco no Rock Alternativo, demonstra-se ao nível do que melhor se faz no resto do mundo. E engane-se quem ponha em causa a produção destas bandas ,que não se revelam de todo amadoras.

Sem dúvida um álbum a adquirir por todos aqueles que desejam estar na linha da frente do que se passa no mundo da música portuguesa.

A ouvir :

http://movimentoalternativorock.blogspot.com/2010/09/colectanea-subcutanea-2o.html

Uma banda abraçada pelo MAR (e pelo Som à Letra)

Modo Classic Rock

2010-11-24T04:19:00.000-08:00

img in feedbackonline.wordpress.com

Don’t Stand So Close To Me, by The Police

No Modo Classic Rock desta semana viajamos até aos anos 80 para ir de encontro ao polémico caso da aluna que se apaixona pelo seu professor… Só mesmo a polícia para narrá-lo em “Don’t Stand So Close To Me”…

Texto de Maria Coutinho

Escrito e composto pelo ex-professor Sting (que não se tem cansado de desmentir que a letra seja um registo auto-biográfico) o tema gerou polémica, já que nem todos entenderam que é a adolescente que assedia o professor, e não o contrário.

Talvez a referência a “Nikita”, o clássico da literatura do russo-americano Vladimir Nabokov, tenha contribuído para esta confusão. O livro trata da história da relação - demasiado intima - de um homem de meia-idade com uma rapariga adolescente…

Na verdade o refrão “don’t stand so close to me” - que podemos traduzir livremente por “afasta-te de mim!” - é um sofrido grito de socorro, cantado pelo professor assediado, aflito com a sua própria mistura de sentimentos de tentação, culpa e bom senso, personagem que no videoclip é intepretada pelo próprio Sting.

O tema foi editado no LP Zenyatta Mondatta em 1980, e foi o single que mais facturou nesse ano no Reino Unido, com 900.000 cópias vendidas. Além disso, ganhou um Grammy em 1981, e foi também a porta de entrada para a fama da banda nos E.U.A. onde, pela primeira vez, o trio inglês entrou no top 10 das tabelas da Billboard.

Houve, no entanto, uma outra polémica que se relacionou com este tema. Um Tribunal considerou que a participação de Sting na música “Money For Nothing” dos Dire Straits, teria ido além da voz, e que o vocalista dos The Police teria créditos na composição. O fundamento usado era o de que a frase “I want my MTV” seguia a mesma linha melódica de “don’t stand so close to me”.

A mim não me parece assim tão idêntico, embora reconheça semelhanças. Facto é que o nome de Sting passou a constar, como co-autor, na ficha técnica da música, ao lado do de Mark Knopfler. Um desafio: oiça, confira, compare, discuta…connosco.

Hurts em modo pop

2010-11-23T04:36:00.000-08:00

img in: arjanwrites.com

No momento super pop desta semana temos garantida uma "Wonderful Life". O mote está lançado pelos Hurts. Nós conferimos, aprovamos, e você?

Texto de Júlia Rocha

O Single "Wonderful Life" foi lançado este ano, tendo sido bastante aclamado na Dinamarca, Suíça e Áustria, onde o duo se tem destacado.

Theo Hutchcraft e Adam Anderson dão a voz e vida ao grupo, com raízes em Manchester. A tour de 2009 chegou mesmo a esgotar e os Hurt acompanham este ano os Scissor sisters na sua digressão.
Os Hurt começaram a sua carreira em 2009 e aos poucos têm conquistado terreno na Europa. Antes de “Wonderful Life”, foi lançado “Better Than Love”, o primeiro single deste álbum de estreia.

“Wonderful Life” fala-nos de amor e morte. Um homem à beira do suicídio é impedido por uma mulher de se lançar de uma ponte. A mulher convence o homem a vir com ela dizendo-lhe “don’t let go/ never give up/it’s such a wonderful life” (não deixe ir [vida], nunca desista , a vida é bela). Estas duas pessoas apaixonam-se e é esta história de amor que a música nos vai narrando.

A sonoridade dos Hurts é bastante peculiar e transmite-nos não só para o seu estilo, o pop sintetizado, mas também para um registo que se encaixaria na perfeição nos anos 80. Transmite-nos um ritmo, mas não é propriamente uma música com o único objectivo de ser mais uma descarga pop. Tem uma mensagem.

O vídeo é simples: preto e branco, o vocalista Theo , intercalado com uma mulher, que ora está parada, ora dança.

A canção sofreu um remix por Arthur Baker, um reconhecido produtor e DJ norte-americano.

O grupo vai passar pelo Hard Club, no Porto , em Fevereiro de 2011.

Até lá:

Luso Vintage

2010-11-22T06:48:00.000-08:00

Pop Dell Arte em cena

Url img :rockemPortugal

Os Pop Dell Arte são os convidados do Luso Vintage desta semana. Um grupo marcado pela diferença na atitude , mas sobretudo pela originalidade. Confiram, oiçam ... à Letra.

Texto de Ana Luísa Silva

Pop
(palavra inglesa)
s. f.
1. Conjunto variado de manifestações culturais que evidenciam a cultura popular.
2. O mesmo que pop music.
3. O mesmo que pop art.
adj. 2 gén. 2 núm.
adj. 2 gén. 2 núm.
4. Que é relativo à pop.
5. Que evidencia a cultura popular.

Arte
(latim ars, artis, maneira de ser ou agir, conduta, habilidade, ciência, talento, ofício)
s. f.
1. Preceitos para fazer ou dizer como é devido.
2. Livro de tais preceitos.
3. Fig. Modo; artifício.
4. Habilidade.
5. Manha, astúcia.
6. Técn. Aparelho de pesca.
7. Ofício.

A fusão dos dois sinónimos acima referidos ajudou à criação, em meados de 80, dos Pop Dell’Arte. João Peste (voz), Zé Pedro Moura (guitarra), Paulo Salgado (baixo) e Ondina Pires (voz e bateria) deram vida a uma das bandas mais originais que alguma vez apareceu ou aparecerá no universo lusitano.

Os anos 80 em Portugal estão marcados por bandas como GNR, Heróis do Mar, António Variações e Mão Morta. No entanto, nenhuma conseguiu criar um universo único, atemporal, subversivo e com um cunho simultaneamente nacional e internacional como a banda de João Peste.

Formados em Campo de Ourique, os Pop Dell’ Arte gravam uma maqueta para concorrer ao concurso de música moderna do Rock Rendez-Vous. Tiveram a sua estreia em Março de 1985 no ISCTE no evento “Música, Moda e Pintura no ISCTE”.

A música do grupo, ainda que nunca seguindo os estereótipos da canção de intervenção (como os famosos manifestantes Homens da Luta, liderados por Jel) sempre assumiu contornos de pop de autor que, e sem apontar o dedo a ninguém, sempre conseguiu denunciar, o establishment musical e a sociedade que o consome.

A participação no Segundo Concurso de Música Moderna do Rock Rendez-Vous ajuda-os a conquistar o prémio de Originalidade e um irrecusável convite para a gravação de um single para a Dansa do Som. A editora escolheu alguns temas, mas os Pop Dell’ Arte não aceitaram tais condições. As canções seleccionadas não iam ajudar a passar a imagem que pretendiam.

Depois de algumas modificações nos elementos do grupo, 1987 é o ano em que é editado o álbum "Free Pop" que contou com a participação de Adolfo Luxúria Canibal. Um ano depois dão na Aula Magna um dos concertos mais importantes da banda.

"Illogik Plastik" é posto à venda em 1989, o mesmo ano em que o grupo decide por um ponto final no seu percurso , reunindo-se em 1991 para um concerto no Estádio de Alvalade.

Em 1993 é editado o álbum “Ready-Made” .Em Junho de 1995 é editado, através da Polygram, o álbum "Sex Symbol" que é bem recebido pela crítica especializada. O grupo na altura era constituído por João Peste (voz), Paulo Monteiro (guitarra), João Paulo Simões (guitarra), Pedro Alvim (baixo) e Luís San Payo (bateria).

Em Novembro de 1996 é apresentado no Coliseu dos Recreios o espectáculo "Filhos de Rimbaud" com a participação de João Peste, Sérgio Godinho, Jorge Palma e Rui Reininho. Em Fevereiro de 1999 são reeditados em CD, através da Música Alternativa, os álbuns "Free Pop" e "Arriba! Avanti!".

E em 2010 , quinze anos depois do último álbum de originais o grupo regressa com “Contra Mundum”, lançado no ano em que o grupo completa 25 anos de carreira.

João Peste participa em vários concertos do projecto Wordsong e colabora num dos temas incluídos na 2ª edição do disco de estreia dos Wordong. Está ainda a trabalhar no projecto de um livro, para a Objecto Cardíaco, que compilará letras de canções dos Pop Dell'Arte, Acidoxi Bordel ou mesmo de outros projectos. Poderá também incluir a história da sua carreira musical de não-músico.

Para recordar:

Concerto

2010-11-21T04:13:00.000-08:00

Guitarras ao alto na invicta

img in: http://www.dolphinmusic.co.uk
O grande mestre da guitarra Joe Satriani regressa a Portugal com dois concertos agendados para o Teatro Sá da Bandeira, no Porto, esta noite, e amanhã no Campo Pequeno , em Lisboa.

Texto de Gabriela Chagas

Joe Satriani, guitarrista de rock instrumental deverá apresentar em palco temas do seu novo disco, ainda em fase de gravação, bem como músicas dos seus trabalhos anteriores.

Satriani, cujo nome verdadeiro é Joseph, nasceu em Julho de 1956 em Westbury, Nova Iorque, e foi professor de alguns guitarristas famosos em todo o mundo, tais como Alex Skolnick, Kirk Hammet e Steve Vai.

Em 1984 gravou um EP com o seu nome contendo cinco músicas . O curioso é que um dos seus alunos, Steve Vai , consegue-lhe um contrato que lhe valeu o lançamento do seu primeiro álbum , “Not of this Earth”.

O salto para a fama surge mais tarde com o disco “Surfing with the Alien”, que lhe rendeu milhões, uma nomeação para os Grammy e um lugar de destaque no rock instrumental , com o reconhecimento mundial do seu talento.O professor ganhou asas e assegurou o seu espaço na história musical.

Os dois concertos por cá estão integrados na digressão Live 2010 e o preço dos bilhetes varia entre os 20 e os 35 euros.

Abrindo apetites:

Som ao Vivo

2010-11-19T23:36:00.000-08:00

Barclay James Harvest em concerto

Uma aula magna preenchida de amantes do rock progressivo aguardavam os Barclay James Harvest para um concerto a 13 de Novembro que se esperava memorável, mas que acabou por ser banal.

Texto de Gabriela Chagas

img in : http://www.aulamagna.pt/files/images/barclay.james_.harvest.les_.holroyd_DSC_0304.preview.jpg

Uma noite de sábado agradável para receber a banda histórica, liderada por Les Holroyd, que deveria trazer ao público português novas musicas mas também êxitos antigos.

Esta versão dos Barclay (featuring Les Holroyd) tocava pela primeira vez por cá e o concerto antecipou um novo álbum, com os membros do grupo, Les Holroyd, Mike Byron-Hehir, Colin Browne, Steve Butler e Louis Palmer.

A outra versão liderada por John Lees (são as duas oficiais) esteve em 2009 na Aula Magna num concerto que esgotou.

A expectativa era alta, o concerto decorreu de forma razoável com uma boa execução musical, ainda assim a voz do líder ficou aquém do esperado. Mas as desilusões não ficaram por aqui: a interacção com o publico foi também fraca e apenas conseguida nos dois encores quando a banda tocou antigos temas imediatamente reconhecidos pela plateia.

Os donos do tema tão conhecido da geração de 70 “Victims of Circumstance” trouxeram à aula magna uma onda de revivalismo que se manteve durante duas horas de concerto sem grandes estados de alma.

Les Holroyd não incendiou um público de cabelos brancos , que em tempos de juventude terá com toda a certeza vibrado com estas músicas. A memória juvenil esteve naquela sala , mas apenas isso.

Fundada em Setembro de 1966 por John Lees, Les Holroyd, Mel Pritchard e Wooly Wolstenholme, esta banda de pop-rock progressivo tornou-se profissional um ano depois ao conseguir um contrato discográfico que permitiu o lançamento do primeiro single.

Os Barclay James Harvest foram grandes inovadores, inseridos no movimento “progressivo” dos anos 60 e 70, criando um estilo próprio, com canções num rock melódico, fundido com tendências clássicas.

Durante três décadas o grupo editou álbuns que atingiram os tops, entre os quais “Turn o the Tide”, “Victims of Circumstance” e “Ring of Change”.

Em 1980, foram os primeiros a atuar num festival ao ar livre na Europa, para uma audiência de 275 mil pessoas, nos degraus do Reichstag, em Berlim ocidental.

Depois da tourné em 1997, pela Alemanha e Suíça, a banda decidiu suspender a sua actividade. Contudo, em 1998 foi retomada a actividade da banda com duas versões, uma liderada por John Lees, que esteve em Portugal em 2009, e outra por Les Holroyd, que gravou em 2001 o álbum Revolution Gays.

Gogol Bordello na "Dança do Som"

2010-11-19T02:30:00.000-08:00

“American Wedding” ou como uma fanfarra faz uma grande farra, dando mote ao lema “think locally, fuck globally”.Gogol Bordello é sinónimo de festa rija, bebida a rodos e alguma loucura à mistura.

Texto de Susana Terra

Consta que os elementos fundadores do grupo se conheceram em 1998, num casamento russo, nos EUA… poderíamos dizer que este contexto muito diz sobre o rumo que tal encontro teve.

Das mais variadas pertenças étnicas (Ucrânia, Israel, Roménia, Escócia, Etiópia, Tailândia, Rússia, China, Equador, etc.) os Gogol Bordello trazem-nos uma profusão de sonoridades directamente proporcional ao mellting pot dos seus membros.

O nome da banda não foi escolhido ao acaso. Eugene Hütz, vocalista, guitarrista (enquanto não destrói o instrumento nos múltiplos arremessos praticados em palco), incansável animador da farra e activista pelos direitos da comunidade romani, inspira-se num conhecido escritor da sua terra natal, Ucrânia - Nikolai Gogol.

Até ao momento, os Gogol Bordello lançaram cinco álbuns de originais – Voi-La Intruder (1999); Multi Kontra Culti vs Irony (2002); Gipsy Punks: Underdog World Strike (2005), sendo este o disco que os catapultou para o sucesso mundial com hinos como Start Wearing Purple, Not a Crime; Super Taranta! (2007), no qual podemos escutar American Wedding; Trans-Continental Hustle (2010).

A miscelânea fanfarrática de sons do grupo apenas encontra eco em grupos como Manu Negra, Fanfarra Ciocarlia, Kusturica and the Non-Smoking Band, apostando numa fusão de estilos transglobais – do folk eslavo ao punk, do flamenco ao dub, tudo bem regado com intermináveis doses de contagiante energia. Segundo a crítica, o rótulo onde a sonoridade da banda encaixa é o gipsy punk, uma categoria que de alguma forma se aproxima da essência da música , embora o leque de influências seja tão diverso que os Gogol Bordello escapam naturalmente a qualquer rebuscado exercício de taxinomia.

Em palco, a festa está garantida. Eugene bebe garrafas de vinho (a maior parte é derramado sobre si próprio e sobre a sedenta audiência), há bombos e gritos, danças diabolicamente estonteantes, delírios quase xamânicos, instrumentos partidos, muitas nódoas negras e inclusive fogo de artifício (aconteceu no castelo de Sines, no Festival Músicas do Mundo, em 2007). Os locais dos concertos são os mais improváveis – para além dos circuitos normais (salas de espectáculos e festivais) qualquer local serve para a farra, até mesmo o Kremlin em Moscovo (!).

Mais do que uma banda, os Gogol Bordello são um movimento global e artístico que culmina em performances nada convencionais e que nos demonstra que as diferenças culturais e o mosaico étnico quando combinados produzem esta mistura explosiva (no bom sentido, diga-se), que o mundo ao invés de uniformizar e estandardizar em torno da ocultação e negação da diversidade, ganha mais em conservar, promover e recriar a multiplicidade cultural que tanta cor (e festa) traz às nossas vidas.

A não perder esta bela farra, dia 24 no Campo Pequeno, em Lisboa.

Até lá...

Letra icónica

2010-11-19T02:20:00.000-08:00

Álvaro de Campos

O Beijo
Pablo Picasso

Todas as cartas de amor são

Ridículas.

Não seriam cartas de amor se não fossem

Ridículas.

Também escrevi em meu tempo cartas de amor,

Como as outras,

Ridículas.

As cartas de amor, se há amor,

Têm de ser

Ridículas.

Mas, afinal,

Só as criaturas que nunca escreveram

Cartas de amor

É que são

Ridículas.

Quem me dera no tempo em que escrevia

Sem dar por isso

Cartas de amor

Ridículas.

A verdade é que hoje

As minhas memórias

Dessas cartas de amor

É que são

Ridículas.

(Todas as palavras esdrúxulas,

Como os sentimentos esdrúxulos,

São naturalmente

Ridículas.)

Letra icónica

2010-11-19T02:14:00.000-08:00

Almada Negreiros

Reconhecimento à Loucura

Já alguém sentiu a loucura
vestir de repente o nosso corpo?
Já.
E tomar a forma dos objectos?
Sim.
E acender relâmpagos no pensamento?
Também.
E às vezes parecer ser o fim?
Exactamente.
Como o cavalo do soneto de Ângelo de Lima?
Tal e qual.
E depois mostrar-nos o que há-de vir
muito melhor do que está?
E dar-nos a cheirar uma cor
que nos faz seguir viagem
sem paragem
nem resignação?
E sentirmo-nos empurrados pelos rins
na aula de descer abismos
e fazer dos abismos descidas de recreio
e covas de encher novidade?
E de uns fazer gigantes
e de outros alienados?
E fazer frente ao impossível
atrevidamente
e ganhar-Ihe, e ganhar-Ihe
a ponto do impossível ficar possível?
E quando tudo parece perfeito
poder-se ir ainda mais além?
E isto de desencantar vidas
aos que julgam que a vida é só uma?
E isto de haver sempre ainda mais uma maneira pra tudo?

Tu Só, loucura, és capaz de transformar
o mundo tantas vezes quantas sejam as necessárias para olhos individuais.
Só tu és capaz de fazer que tenham razão
tantas razões que hão-de viver juntas.
Tudo, excepto tu, é rotina peganhenta.
Só tu tens asas para dar
a quem tas vier buscar.